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Appel à communications – Congrès AFS 2025 – RT14

Le réseau thématique (RT) 14 souhaite proposer une réflexion autour de l’articulation entre environnement(s) et inégalités. L’appel entend ainsi appréhender le concept d’environnement dans ses multiples acceptions : environnements sociotechniques, cadres spatiaux des pratiques, groupes professionnels, réseaux d’acteurs, rapport aux enjeux écologiques, entre autres. Les propositions de communication devront donc accorder une attention particulière aux manières dont les inégalités — qu’elles concernent la production, la diffusion, la médiation ou la consommation — se manifestent différemment en fonction des environnements et contextes considérés, produisent des effets variables, ou appellent des réponses spécifiques. 

L’appel se structure autour de 7 axes qui visent à faciliter la préparation des propositions de communication. Ces dernières peuvent donc s’inscrire dans un ou plusieurs axes.

Axe 1 — Pratiques culturelles et inégalités

Les dernières décennies ont été le théâtre de profondes transformations, tant dans les modes d’accès aux biens culturels que dans la nature des formes culturelles consommées. Ces mutations réactualisent le questionnement sur les formes contemporaines de distinction (Coulangeon & Duval, 2014 ; Prieur et al., 2023). Cela est particulièrement le cas pour les jeunes publics pour lesquels les recherches les plus récentes montrent pourtant la persistance d’inégalités socioculturelles importantes (Boyadjian, 2022). La persistance de formes de stratification sociale dans les pratiques culturelles ne doit cependant pas occulter les dynamiques de recomposition de certaines hiérarchies symboliques, notamment au sein des classes supérieures, où le cosmopolitisme et l’éclectisme peuvent exprimer une volonté de se démarquer du « snobisme » traditionnel (O’Brien & Ianni, 2023).

Comment les phénomènes de frontières symboliques entre les groupes sociaux se manifestent-ils concrètement à travers la culture ? Comment les hiérarchies se manifestent-elles selon les différents environnements (sociaux, techniques, professionnels) ? Il convient également de s’interroger sur le lien entre les inégalités dans les pratiques culturelles et les grandes formes d’inégalités sociales, en particulier dans les sphères scolaire et professionnelle. Le rendement des pratiques culturelles légitimes est-il toujours aussi déterminant dans l’obtention d’une position sociale privilégiée ?

Axe 2 — Contextes de la réception 

La sociologie de la réception a souligné l’importance du contexte de consommation culturelle (domestique ou public, individuel ou collectif, rural ou urbain, etc.) et la façon dont il s’imbrique avec les rapports sociaux (de genre, de classe, etc.) pour orienter les modes d’appropriation des œuvres et des produits culturels en général (Albenga, 2017 ; Eloy, Mabille, et al., 2021 ; Radway, 1991). Ces questions se posent à nouveaux frais à l’heure des pratiques culturelles en régime numérique (Gilliotte, 2022). Si la participation en ligne est marquée par de fortes inégalités (Cardon, 2019), le numérique offre aussi des espaces de démocratisation et d’appropriation de connaissances culturelles par les membres des classes populaires et moyennes peu dotés en capitaux culturels et scolaires (Pasquier, 2018). Par ailleurs, certains contextes de consommation culturelle peuvent permettre de constituer des espaces de sociabilité, offrant la possibilité de valoriser des pratiques, des productions culturelles ou des styles de vie peu légitimes, voire ouvrir des espaces de négociation des normes et des injonctions sociales liées, par exemple, au genre ou à la race (Bobo 1995; Chedaleux, 2018; Delaporte et al., 2022; Zabban & Guittet, 2022)

Comment s’articulent concrètement les contextes de réception culturelle et les différentes formes d’inégalités (de classe, de genre, de race, etc.) ? De quelle manière environnement matériel et environnement social s’imbriquent-ils dans l’expérience de réception culturelle ? Quels sont les effets des inégalités socioculturelles sur les environnements ou les contextes de consommation et de réception culturelle ? Quels sont, a contrario, les effets des environnements sociotechniques de la consommation culturelle (support numérique ou « traditionnel », etc.) sur la valeur symbolique de telle ou telle pratique et, le cas échéant, des groupes sociaux qui y seraient particulièrement associés ? 

Axe 3 — Inégalités dans les environnements professionnels du travail artistique

De nombreux travaux ont déjà souligné les fortes inégalités qui existent dans l’organisation du travail au sein des institutions et industries culturelles et des professions artistiques, en particulier dans l’accès aux fonctions les plus prestigieuses. D’une part, ces inégalités demeurent d’abord dans la professionnalisation artistique des femmes, par exemple dans les professions musicales (Ravet, 2014, 2016) ou dans l’accès au marché de l’art contemporain (Provansal, 2023). Alors qu’elles sont majoritaires dans les écoles d’art, « elles deviennent moins actives, moins payées, moins aidées, moins programmées, moins récompensées, et enfin moins en situation de responsabilité que leurs homologues » (HCE, 2018). D’autre part, prendre sa place et la garder dans le champ de production culturelle (Bourdieu, 1992) reste fortement lié à l’origine sociale et aux ressources des professionnel·les. Le fonctionnement des institutions et industries culturelles, marqué par le poids du capital social, des formations suivies, de la cooptation, par des implicites parfois élitistes, continue à favoriser le recrutement de personnes issues des classes supérieures et les carrières masculines (comme dans la haute administration culturelle par exemple, Jacquemart et al., 2022) et s’accompagnent parfois de processus d’auto-exclusion de celles issues de milieux populaires (Buscatto et al., 2021)

Dès lors, il s’agit d’étudier les évolutions de ces inégalités entre et au sein des groupes professionnels dans les arts et la culture en analysant comment s’organise la division du travail, si ces inégalités selon le genre, la classe ou la race se maintiennent ou s’atténuent. Cela peut inclure par exemple l’analyse des mobilisations professionnelles et controverses récentes pointant les inégalités de genre ou de race et le manque de diversité dans les arts et la culture (cf. études Cinégalités, mobilisations contre les violences sexistes et sexuelles au théâtre ou au cinéma, mobilisation des danseurs de l’opéra de Paris).

Axe 4 — Création artistique et culturelle dans des environnements contraints

Au-delà de l’inégal accès aux postes de pouvoir, ces luttes dans la hiérarchie symbolique se traduisent également au sein des œuvres elles-mêmes. Loin de l’idéal de la création artistique comme émanant de la volonté d’un·e artiste unique vers son public, de nombreux acteurs de l’écosystème créatif (artistes, producteurs, institutions, publics, et politiques publiques) viennent agir directement sur le processus de création. Certains travaux soulignent les contradictions vécues par les personnes chargées de la création ou de la production lorsqu’elles sont amené·es à produire des œuvres dans la lignée ou en rupture avec leurs propres dispositions esthétiques — à l’image des scénaristes de Plus Belle la Vie étudié·es par Muriel Mille (2024) — afin de répondre aux exigences commerciales et aux attentes d’acteurs tiers. La tension classique entre les logiques esthétiques et économiques est particulièrement forte dans le milieu du cinéma et des séries, rejoignant le clivage entre réussite économique d’une œuvre et sa reconnaissance artistique, blockbusters et films d’auteur (Duval, 2011). La logique marchande dans la création des œuvres n’est souvent pas détachable des types de contrats qui lient les artistes aux personnes en charge de la production ou de l’édition, comme dans le cas du marché du livre, du jeu vidéo ou de la musique enregistrée. Dans ce cadre, l’apparition des plateformes du type Netflix a semblé constituer d’abord un environnement économique permettant l’émergence d’autres récits et favorisant une plus grande liberté de création : dans la continuité de travaux récents sur ces nouveaux acteurs de la production culturelle, on peut s’interroger sur les marges de manœuvre des artistes et professionnel·les face aux plateformes, aux nouveaux rapports de force qui se nouent au sein de ces industries culturelles. Ces contraintes économiques souvent associées aux professionnel·les travaillant au sein des industries culturelles existent aussi pour les artistes ordinaires (Delaporte et al., 2022) en contact avec les institutions culturelles. Ils et elles peuvent être confronté·es à des demandes contradictoires de leurs financeurs, ou devoir multiplier les activités et les projets artistiques pour vivre de leur métier (Bataille, et al., 2019 ; Bureau et al., 2009; Menger, 1989, 2005). 

Comment s’articulent les différentes trajectoires des professionnel·les de la culture avec les représentations et les valeurs à l’intérieur des œuvres culturelles ? Comment se font les arbitrages entre les différents acteurs et actrices sur la façon de penser les représentations, les personnages, les scénarios ou œuvres en fonction à la fois des modèles économiques, des secteurs, des aires linguistiques ? 

Axe 5 — Politiques publiques et réduction des inégalités culturelles/d’accès à la culture

Qu’il s’agisse de l’accès aux professions artistiques ou de l’accès à des financements pour la réalisation d’œuvres, c’est l’État qui est le plus souvent sommé d’intervenir pour réduire les inégalités entre les créateurs et créatrices des différents mondes de l’art, mais aussi en termes d’accès à la culture. Les communications pourront ainsi porter sur le rôle de l’État en tant qu’opérateur de réduction des inégalités, à travers la mise en place de politiques publiques culturelles. La crise du COVID-19, à l’instar d’autres crises, peut également être une entrée privilégiée en tant qu’elle constitue une épreuve qui accentue les inégalités existantes dans les professions artistiques, rend visible le rôle de l’État dans les marchés de l’art, et favorise la réflexivité des acteurs sur les interdépendances qui les lient à d’autres acteurs du secteur. Le Pass Culture est une illustration d’une certaine conception de la consommation culturelle comme dépendant d’une barrière économique, alors que la sociologie de la culture montre depuis longtemps les nombreux autres ressorts du goût et de l’intérêt porté à certains genres ou univers culturels. Cette politique apparaît par ailleurs en rupture avec les politiques historiques du ministère de la Culture (Poirrier, 2011), ayant essentiellement consisté à subventionner les producteurs culturels les moins rentables alors que le Pass Culture repose, au contraire, sur un mécanisme de marché pour l’allocation des subventions étatiques. 

Comment évolue le rôle de l’État français (Thévenin & Moeschler, 2018) dans la structuration du marché de la production artistique et culturelle ? Par quels mécanismes les politiques culturelles entendent-elles réduire les inégalités d’accès à la culture ? Quels en sont les résultats ?

Axe 6 — Les transformations de la médiation culturelle face aux inégalités

Au-delà de la place des politiques publiques se pose également la question du rôle joué par un certain nombre d’intermédiaires qui cherchent à « mettre en relation un individu ou un groupe avec une proposition culturelle ou artistique (œuvre d’art singulière, exposition, concert, spectacle, etc.), afin de favoriser son appréhension, sa connaissance et son appréciation » (Aboudrar & Mairesse, 2022). Comme le rappellent Eloy et al. (2021), deux discours sur la transmission de la culture sont majoritaires, en particulier lorsqu’il s’agit des publics juvéniles : d’une part la représentation d’une forme d’aliénation face à des industries culturelles puissantes pour imposer des goûts et des pratiques culturelles ; de l’autre, l’image d’une hyperautonomie de ces mêmes publics dans la consommation culturelle.

Dans ce contexte, à qui s’adressent leurs actions de médiation culturelle ? Comment ces professionnel.les de la médiation mettent-ils et elles en œuvre des politiques de démocratisation culturelle tout en tenant compte des multiples formes d’inégalités, sociales, économiques ou territoriales, qui structurent leurs publics ? Comment les personnes en charge de la médiation peuvent-elles se saisir des productions culturelles et artistiques comme outil de lutte contre différentes formes d’inégalités (à l’égard des minorités sexuelles, racisées, des personnes handicapées, etc.) ? Quels sont les autres leviers dont ils et elles disposent pour ajuster leur démarche aux spécificités des groupes qu’ils et elles souhaitent toucher ?  

Axe 7 — Enjeux environnementaux de la production et de la consommation culturelles et artistiques

Au-delà des enjeux sociaux, l’axe s’intéresse aussi aux défis écologiques que rencontrent les industries culturelles et créatives, et cela à deux niveaux : d’abord au niveau de la production des industries culturelles. Les tensions sont vives entre des productions soucieuses de sobriété (ex. : production durable de décors, choix de matériaux) et les contraintes économiques, qui imposent souvent une accélération des rythmes de production pour satisfaire à la fois les publics et les investisseurs (Oakley & Banks, 2021). Le cas des productions cinématographiques ou télévisuelles illustre particulièrement cette problématique, avec des coûts environnementaux croissants liés à des rythmes intenses de tournage et de diffusion, mais ces mêmes thématiques se déclinent également dans d’autres secteurs (scénographies de concerts, de musées, etc.). Comment les acteurs et actrices de la culture adaptent-ils et elles leurs pratiques pour répondre aux urgences écologiques ? Comment les enjeux écologiques et environnementaux sont-ils pris en compte au sein des productions culturelles et artistiques ? Ces enjeux écologiques se posent également au niveau de la consommation. Si on trouve de plus en plus d’enquêtes sur les pratiques écocitoyennes (Carfagna et al., 2014; Ginsburger, 2020) et sur la conversion écologique des modes de vie (Grossetête, 2019), l’étude de l’articulation plus fine entre pratiques culturelles et enjeux écologiques reste un peu moins développée. Comment les individus ont-ils transformé ou non leurs pratiques culturelles à la lueur de ces enjeux environnementaux ? Comment ces enjeux environnementaux s’articulent-ils aux inégalités de consommation ?  

Varia

Les personnes qui souhaitent communiquer sont invitées à privilégier les propositions qui s’inscrivent dans les axes précédents, issus du thème général du congrès. Cependant, ces axes ne sont pas exhaustifs. En effet, le RT14 entend faire écho à l’actualité de la sociologie des arts et de la culture dans sa globalité. Il est donc ouvert à toutes les propositions de communication présentant des recherches inscrites dans ce champ.

Modalités de soumission des propositions

Structure de la proposition à envoyer

Le résumé comportera entre 3000 et 5000 signes (espaces compris, hors bibliographie, 5 références maximum), et devra impérativement contenir les éléments suivants : 

  • une présentation claire du contexte, de la question de recherche et du cadre théorique en mobilisant des références bibliographiques pour justifier la pertinence du sujet ;
  • une présentation de la méthodologie et des données employées (en chiffrant précisément, en explicitant les techniques mobilisées) ;
  • une esquisse des principaux résultats (ou des hypothèses si le terrain est en cours). 

Informations attendues

  • Noms de(s) auteur·e(s), 
  • Statut, 
  • Rattachement, 
  • Adresse électronique, 
  • Axe, 
  • Titre de la communication, 
  • Résumé, 
  • Mots-clés.

Dépôt des propositions

Les réponses à l’appel à communications sont à déposer exclusivement au moyen du formulaire dédié sur la page de l’appel du RT14 sur le site de l’AFS : 

https://afs-socio.fr/appel-a-communication/7031/rt14-sociologie-des-arts-et-de-la-cultu re-congres-2025-afs/

Les propositions envoyées par d’autres moyens que les formulaires dédiés sur le site de l’AFS ne seront pas prises en considération.

Evaluation des propositions

Les propositions reçues par le Comité Scientifique des sessions du RT14 seront anonymisées et distribuées à deux relecteurs et relectrices en charge de sélectionner les propositions à partir d’une grille commune, évaluant notamment la clarté et l’originalité de la question de recherche, la rigueur et la pertinence de la méthodologie, et l’intérêt des premiers résultats esquissés (ou à défaut la qualité des hypothèses formulées).

Calendrier

  • 15/01/25 : date limite pour l’envoi des propositions de communication 
  • avant mi-février : Communication du résultat de la sélection après évaluation anonyme par deux membres du comité scientifique
  • 26/06/25 : date limite pour l’envoi des textes supports des interventions (15 minutes), pour transmission aux discutant·es
  • Du mardi 08/07 au vendredi 11/07/2025 : tenue du Congrès à Toulouse

Format des communications

Les communications se feront par plage de 30 minutes, avec 15 minutes de présentation et 15 minutes d’échange avec le public.

Il est attendu des communicants et communicantes d’articuler autant que possible leur présentation de la façon suivante : 

  • une présentation claire du contexte, de la question de recherche et du cadre théorique ;
  • une présentation de la méthodologie et des données employées (en chiffrant précisément, en explicitant les techniques mobilisées) ;
  • une présentation des principaux résultats, en n’oubliant pas de mobiliser des matériaux d’enquête.

Les personnes retenues pour communiquer durant le Congrès devront également veiller à favoriser les discussions entre les communications (notamment au sein d’une même session). Il sera également attendu qu’elles communiquent leur présentation en amont du Congrès.

Informations importantes

Pour participer au Congrès, il faudra adhérer à l’AFS et s’acquitter de droits d’inscription. Lors du précédent Congrès de 2023, l’adhésion s’élevait à 41 € pour les non-titulaires et 103 € pour les titulaires ; l’inscription au Congrès à 61 € pour les non-titulaires et 152 € pour les titulaires. Les tarifs pour le Congrès de Toulouse seront légèrement plus élevés (inflation). Les collègues non-titulaires qui ne peuvent être financé. es par leur laboratoire pourront, sur présentation de dossier, être exonéré. es des droits d’inscription et bénéficier d’une aide pour le transport et le logement. La procédure pour la demande d’exonération des droits d’inscription sera précisée plus tard.

L’accès au Congrès se veut le plus inclusif possible :

  • Des dispositifs de lutte contre les violences sexistes et sexuelles seront mis en place.
  • Si vous avez besoin de services d’accompagnement en raison d’une situation de handicap, vous pourrez le signaler dans le cas où votre communication est retenue. Le comité d’organisation mettra tout en œuvre pour essayer de répondre à vos demandes.
  • Si vous avez besoin de services de crèche pendant le Congrès vous pourrez le signaler au moment de l’inscription. Le comité local essayera de proposer un mode de garde.

Comité d’organisation

Le comité d’organisation est composé des membres suivants : 

Abel AUSSANT, Doctorant, Sciences Po Paris, CRIS

Marie-Laure BERNON, Docteure, Université d’Orléans, Cedete 

Delphine CHEDALEUX, MCF, Université de Technologie de Compiègne, COSTECH

Quentin GILLIOTTE, Professeur Junior, Université Paris-Panthéon-ASSAS, CARISM

Noé LATREILLE DE FOZIÈRES, Doctorant, LIER-FYT (EHESS, CNRS)

Comité scientifique

Le comité scientifique est composé de l’ensemble des membres du bureau du RT14, à savoir : 

Abel AUSSANT, Doctorant, Sciences Po Paris, CRIS

Marie-Laure BERNON, Docteure, Université d’Orléans, Cedete

Anne BESSETTE, Post-doctorante, Labex ICCA, Cerlis

Delphine CHEDALEUX, MCF, Université de Technologie de Compiègne, COSTECH

Elise CHIÈZE-WATTINNE, Docteure, CERLIS

Clément COMBES, MCF, Université Sorbonne Nouvelle, IRMÉCCEN

Tristan DOMINGUEZ, Ater, Sorbonne Université, Gripic

Quentin GILLIOTTE, Professeur Junior, Université Paris-Panthéon-Assas, Carism

Karim HAMMOU, chargé de recherche CNRS, Cresppa-CSU

Reguina HATZIPETROU-ANDRONIKOU, MCF, Nantes Université, CENS

Noé LATREILLE DE FOZIÈRES, Doctorant, LIER-FYT (EHESS, CNRS)

Bianca MARETTI, Doctorante contractuelle, Sorbonne Université, IReMus

Marco MARY, Doctorante contractuel, IEP Toulouse, LASSP

Anna MESCLON, Docteure, Nantes Université, CENS

Muriel MILLE, MCF, Université Versailles St-Quentin-en-Yvelines, Printemps

Myrtille PICAUD, Chargée recherches CNRS, CRESPPA-CSU, associée au CEE

Francesca QUERCIA, Post-doctorante, LaReSS (HETSL Lausanne, CH)/ Centre Max Weber de Lyon

Bibliographie

Aboudrar, B. N., & Mairesse, F. (2022). La Médiation culturelle (3e édition). Que sais-je.

Albenga, V. (2017). S’émanciper par la lecture. Genre, classe et usages sociaux du livre. Rennes (Presses universitaires de ).

Bataille Pierre, Casse Robin et Perrenoud Marc (2019), « Rythmes et ancrages sociaux des carrières musicales “ordinaires” », Recherches sociologiques et anthropologiques, 50 (2), 75-99.

Bobo J. (1995). Black Women as Cultural Readers, New York, Columbia University Press.

Boyadjian, J. (2022). Jeunesses connectées : Les digital natives au prisme des inégalités socioculturelles. PU SEPTENTRION.

Bureau, M.-C., Perrenoud, M., & Shapiro, R. (dirs.) (2009), L’artiste pluriel, Démultiplier l’activité pour vivre de son art, Villeneuve d’Ascq, Presses universitaires du Septentrion.

Buscatto, M., Helbert, S., & Roharik, I. (2021). L’opéra, un monde professionnel hanté par les violences de genre. Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique, 22 (1), 49‑67.

Cardon, D. (2019). Culture numérique. Presses de Sciences Po.

Carfagna, L. B., Dubois, E. A., Fitzmaurice, C., Ouimette, M. Y., Schor, J. B., Willis, M., & Laidley, T. (2014). An emerging eco-habitus : The reconfiguration of high cultural capital                     practices among ethical consumers. Journal of Consumer Culture, 14(2), 158‑178. https://doi.org/10.1177/1469540514526227

Chedaleux, D. (2018). Construire un regard sur la réception de Cinquante Nuances de Grey : Une ethnographie en ligne. Poli – Politique de l’Image, 14, 82‑91.

Coulangeon, P., & Duval, J. (2014). Trente ans après La Distinction, de Pierre Bourdieu (1re édition). La Découverte.

Delaporte, C., Flores Espínola, A., Guittet, E., Harchi, K., Sonnette-Manouguian, M., & Talbot, C. (2022). Pour une approche intersectionnelle en sociologie des arts et de la culture. Biens Symboliques/Symbolic Goods, 10. https://doi.org/10.4000/bssg.1089

Duval, J. (2011). L’offre et les goûts cinématographiques en France. Sociologie, 2(1), 1‑18. https://doi.org/10.3917/socio.021.0001

Eloy, F., Bonnéry, S., Coavoux, S., Deslyper, R., Giraud, F., Legon, T., Mille, M., & Soulé, V. (2021). Comment la culture vient aux enfants : Repenser les médiations. Presses de Sciences Po/Ministère de la Culture – DEPS.

Eloy, F., Mabille, M., Mille, M., & Thierry, C. (2021). La fiction comme cadre de socialisation. Regarder Plus belle la vie en famille ou entre ami·es. Politiques de communication, 17(2), 79‑111. https://doi.org/10.3917/pdc.017.0079

Gilliotte, Q. (2022). L’expérience culturelle en régime numérique. Explorer, ranger, consommer. (Presses des Mines).

Ginsburger, M. (2020). De la norme à la pratique écocitoyenne : Position sociale, contraintes matérielles et diversité des rapports à l’écocitoyenneté. Revue française de sociologie, 61(1), 43‑78. https://doi.org/10.3917/rfs.611.0043

Grossetête, M. (2019). Quand la distinction se met au vert : Conversion écologique des modes de vie et démarcations sociales. Revue Française de Socio-Économie, 22(1), 85‑105. https://doi.org/10.3917/rfse.022.0085

Haut Conseil à l’Égalité entre les femmes et les hommes (2018). Inégalités entre les femmes et les hommes dans les arts et la culture. Acte II : après 10 ans de constats, le temps de l’action. http://bit.ly/2Gi3OGz

Jacquemart, A., Charpenel, M., Demonteil, M., Hatzipetrou-Andronikou, R., & Marry, C. (2022). Le genre des carrières. Inégalités dans l’administration culturelle. Ministère de la Culture – DEPS. https://doi.org/10.3917/deps.jacqu.2022.01

Menger Pierre-Michel, 1989, « Rationalité et incertitude de la vie d’artiste », L’année sociologique, Vol. 39, p. 111-151

Menger Pierre-Michel, 2005, Les intermittents du spectacle : sociologie d’une exception, Paris, Éd. de l’École des hautes études en sciences sociales.

Mille, M. (2024). Le travail de la fiction : Dans les coulisses d’une série télévisée (1er édition). PU VINCENNES.

Oakley, K., & Banks, M. (Éds.). (2021). Cultural Industries and the Environmental Crisis : New Approaches for Policy (1st ed. 2020 edition). Springer.

O’Brien, D., & Ianni, L. (2023). New forms of distinction : How contemporary cultural elites understand ‘good’ taste. The Sociological Review, 71(1), 201‑220. https://doi.org/10.1177/00380261221128144

Pasquier, D. (2018). L’internet des familles modestes : Enquête dans la France rurale. Presses des Mines, coll. « Sciences sociales ».

Poirrier, P. (2011). Pour une histoire des politiques culturelles dans le monde —1945-2011. DOC FRANCAISE.

Prieur, A., Savage, M., & Flemmen, M. P. (2023). Distinctions in the making : A theoretical discussion of youth and cultural capital. The British Journal of Sociology, 74(3), 360‑375. https://doi.org/10.1111/1468-4446.13002

Provansal, M. (2023). Artistes mais femmes : Une enquête sociologique dans l’art contemporain. ENS Éditions.

Radway, J. A. (1991). Reading the Romance : Women, Patriarchy, and Popular Literature. University of North Carolina Press. https://www.jstor.org/stable/10.5149/9780807898857_radway

Ravet, H. (2014). L’accès des femmes aux professions musicales : L’entrée dans les orchestres symphoniques. L’Observatoire, 44(1), 45‑48. https://doi.org/10.3917/lobs.044.0045

Ravet, H. (2016). Cheffes d’orchestre, le temps des pionnières n’est pas révolu ! Travail, genre et sociétés, 35(1), 107‑125. https://doi.org/10.3917/tgs.035.0107

Thévenin O., Moeschler O. (2018). « The Changing Role of the Cultural State: Art Worlds and New Markets—A Comparison of France and Switzerland », dans Alexander V.D., Hägg S., Häyrynen S., Sevänen E. (dirs.), Art and the Challenge of Markets Volume 1: National Cultural Politics and the Challenges of Marketization and Globalization, Cham, Springer International Publishing, p. 125‑153.

Zabban, V., & Guittet, E. (2022). L’aiguille et l’écran. Techniques & Culture, 77. https://doi.org/10.4000/tc.17015

Nouvel appel pour le prochain colloque intercongrès !

Le prochain colloque aura pour thème la « transition écologique » dans les arts et la culture

Pour ce sixième colloque inter-RT, le RT14 s’associe au Réseau thématique 38 (Sociologie de l’environnement et des risques) pour interroger les contours et frontières de la transition écologique et sociale dans les mondes de l’art et de la culture.

Cet événement interrogera les continuités et transformations des pratiques culturelles et artistiques, amateures et professionnelles, à l’œuvre tant au niveau individuel qu’institutionnel. Le colloque pourra ainsi aborder plusieurs questions : quelles transformations s’observent dans les pratiques culturelles et artistiques quand celles-ci prennent en compte les bouleversements environnementaux et leurs conséquences ? Comment ces transformations modifient-elles les interactions entre artistes, publics et intermédiaires culturels, mais également entre groupes professionnels (créateurs, producteurs, diffuseurs, médiateurs…) ? Comment les politiques de développement durable contribuent-elles à infléchir les logiques de création, de diffusion et de médiation dans le domaine culturel ? Enfin, de quelles façons ces transitions varient-elles selon les secteurs artistiques et les aires géographiques considérés ?

Retrouvez ici l’appel complet pour ce colloque, qui aura lieu les 14 et 15 novembre 2024.

Attention, les propositions de communications sont à envoyer avant le 7 Juin 2024 !

Appel à communication – Colloque “Contours du travail et frontières des groupes professionnels dans les arts et la culture” – RT14 et RT1

APPEL À COMMUNICATIONS

5e colloque du RT14 « Sociologie des arts et de la culture », en collaboration avec le RT1 « Savoirs, travail, professions »

20 et 21 octobre 2022, Paris (Site Pouchet du CNRS)

Le Réseau Thématique 14 (Sociologie des arts et de la culture) de l’Association Française de Sociologie s’associe au Réseau Thématique 1 (Savoirs, travail, professions) afin d’interroger les contours du travail et les frontières des groupes professionnels dans les mondes de l’art et de la culture.

Depuis le début des années 2000, les milieux culturels et artistiques connaissent des transformations professionnelles et économiques importantes. D’une part, le nombre d’emplois dans les métiers de la culture a connu une forte hausse (Gouyon et Patureau, 2014) liée notamment à l’essor de formations dédiées à ce secteur (Dubois, 2013), en parallèle d’un processus encore relatif de féminisation (Gouyon, Patureau et Volat, 2016). D’autre part, la numérisation des biens et des pratiques culturelles a conduit à des mutations importantes de ces secteurs économiques, comme l’ont montré des travaux sur le cinéma (Pinto, 2016), la vidéo (Levoin et Louessard, 2019), la musique ou le livre (Chabault, 2013 ; Holt, 2010 ; Legendre, 2019). Le développement des plateformes s’est accompagné de phénomènes de restructuration économique : apparition de nouveaux acteurs et effets de concentration économique par lesquels des multinationales, telles qu’Amazon, intègrent l’ensemble de la filière artistique (Négrier, 2020). Ces plateformes induisent de nouvelles manières de consommer la culture mais aussi de la produire, en proposant des sources de financement hors des circuits de diffusion habituels. Plus globalement, les formes de financement de la culture évoluent aujourd’hui en Europe : les financements par projet, les financements locaux voire transversaux (dans le cadre des politiques urbaines, notamment), le mécénat privé (entreprises et fondations, ou encore « crowdfunding ») se développent en parallèle de la réduction des subventions publiques nationales attribuées à la culture.

Plusieurs mobilisations politiques récentes ont mis en lumière ces bouleversements des secteurs professionnels des arts et de la culture. En France, elles ont d’abord porté sur les statuts d’emploi et régimes des artistes, notamment celui de l’intermittence, puis du régime des artistes-autrices et artistes-auteurs, pour lequel est désormais prise en compte une diversité de revenus accessoires.

Plus récemment, ces mobilisations ont visé les violences sexuelles et sexistes. Les champs artistiques, et notamment le cinéma, sont d’ailleurs à l’origine du mouvement dit « #MeToo ». Du cinéma au théâtre, en passant par l’art contemporain, la musique ou encore le cirque, ces mobilisations concernent l’ensemble des secteurs et s’étendent aux lieux de formation artistique. Elles s’inscrivent dans des mouvements de plus longue date dénonçant les inégalités sociales dans les champs culturels, notamment celles construites par les rapports sociaux de sexe et de race, tant dans l’accès au travail artistique que dans la perpétuation de stéréotypes sexistes et racistes, et qui ont donné lieu selon les mondes professionnels à certaines évolutions.

Enfin, la crise du Covid-19, au cours de laquelle les activités et biens culturels ont été caractérisés comme « non-essentiels », a jeté une lumière crue sur les inégalités qui structurent les champs culturels : entre bénéficiaires et laissé-es pour compte des dispositifs d’aide publique ; entre secteurs ; ou encore, dans le cadre d’un confinement différencié des populations, entre femmes et hommes dans la poursuite de leurs activités professionnelles, etc. La gestion de cette crise a de plus interrogé la viabilité du secteur culturel en dehors des politiques de soutien qui ont permis son maintien pendant la crise sanitaire (avec des différences entre cinéma, livre, spectacle vivant, etc.). Cette crise tend enfin à accélérer certaines évolutions, notamment la reconfiguration des modes de diffusion et de consommation des œuvres en faveur des réseaux numériques.

Nous souhaitons ainsi interroger, à l’occasion de ce colloque conjoint aux RT1 et RT14, les continuités et transformations du travail à l’œuvre dans les secteurs culturels et artistiques, et particulièrement les frontières et contours des groupes professionnels (Abbott, 2016 ; Demazière et Gadéa, 2009) qui y sont impliqués, en analysant comment ceux-ci se (re)dessinent en fonction de ces évolutions. Ce colloque s’appuie sur une proximité épistémologique de longue date entre la sociologie des groupes professionnels et la sociologie des arts et de la culture. Le cas du travail artistique a ainsi été au cœur des débats et des réflexions autour des notions de profession et de groupes professionnels (Becker, 1985, 1988 ; Cressey et Burgess, 1968 ; Freidson, 1994 ; Hughes, 1996 ; Strauss, 1992…).

Dans la lignée de ces interrogations et à la lumière des transformations récentes des mondes artistiques et culturels, les propositions de communications pourront s’inscrire dans les quatre axes prioritaires présentés ci-après. Elles pourront concerner l’ensemble des agents qui, depuis la production jusqu’à la médiation et la réception, contribuent aux mondes professionnels des arts et de la culture, et interroger les recompositions des frontières entre ces différentes étapes de la chaîne de coopération qui ne sont pas systématiquement différenciées, selon les contextes historiques, géographiques, les secteurs, etc. Les travaux examinant d’autres pistes s’inscrivant dans la thématique seront également examinés avec attention.

 

Axe 1. Segmentation, stratification et redéfinition des frontières professionnelles dans les mondes artistiques

Nous cherchons ici à mieux saisir les effets des transformations évoquées précédemment dans les différents secteurs artistiques et contextes nationaux ou locaux. Cet axe revient sur les effets des mutations en termes d’emploi mais aussi de frontières et d’autonomie du travail artistique.

Les propositions pourront donc revenir sur la division morale du travail dans ces mondes de l’art (Hughes, 1996) et sur les concurrences ou négociations autour des territoires professionnels et leurs frontières (Abbott, 1988, 2016), qui prennent place dans un champ de production culturelle caractérisé par la dimension collective du travail artistique (Becker, 1988 ; Cappelle, 2018 ; Marguin, 2019 ; Mille, 2016) et par une opposition entre pôles de l’art pour l’art et de grande diffusion (Bourdieu, 1992).

En effet, l’essor des financements par projets, la place des plateformes de diffusion de la culture ou encore les enjeux économiques accompagnant la crise sanitaire peuvent mettre en péril l’autonomie professionnelle et les juridictions des artistes et des métiers associés (Dubois, 2021). Ces transformations peuvent conduire à brouiller les contours des activités artistiques, en modifiant les contours du « sale boulot » ou par la remise en cause des frontières établies entre activités cardinales des mondes de l’art et personnel-les de renfort (Becker, 1988), entre artistes, publics et intermédiaires. Comment évoluent la place des organismes financeurs, et leur droit de regard sur les projets et la production, avec le développement du financement et des organisations par projet (Faulkner et Anderson, 1987 ; Peterson, 1982) ?

Les rétributions symboliques de l’activité artistique ne compensent pas toujours la précarité (Sinigaglia, 2013). Les artistes sont ainsi incité-es à la pluriactivité (Mayaud et Jeanpierre, 2020), à multiplier les engagements dans plusieurs projets artistiques, tout en y occupant différents métiers : être comédien-ne sur un projet tout en dispensant des cours d’arts dans des établissements scolaires (Bataille, Casse et Perrenoud, 2019 ; Menger, 1989, 2005) ou en travaillant dans d’autres secteurs extra-artistiques (Rannou et Roharik, 2006), ce qui concerne davantage les moins établi-es. Par ailleurs, si en France les artistes bénéficient du régime de l’intermittence, dans la plupart des autres pays, les artistes ne disposent pas de dispositifs d’assurance spécifiques, au risque de précariser les carrières et de favoriser l’engagement dans des domaines extra-artistiques (Rouault, 2002). Par exemple, les réformes du droit d’auteur-rice comme du statut de l’intermittence et de l’assurance chômage (Sigalo Santos, 2018) se sont traduites par le développement d’activités connexes (participation à des rencontres publiques, cours, etc.), conséquence de demandes politiques et sociales croissantes pour l’engagement des artistes dans l’espace public (Sapiro et Rabot, 2017).

Plusieurs travaux ont par ailleurs mis en évidence l’importance prise par l’intervention socio-éducative dans le travail artistique (Bureau, Perrenoud et Shapiro (dir.), 2009). Quelle que soit la discipline, les financeurs publics demandent désormais aux artistes et aux structures culturelles de proposer des projets auprès de publics dits « en difficulté » : jeunes « en difficulté scolaire » (Bonnery et Renard, 2013 ; Deslyper et Eloy, 2020 ; Henri-Panabière, Renard et Thin, 2013), « habitant-es des quartiers populaires » (Quercia, 2020), etc. Ces transformations engendrent un brouillage des frontières entre différents univers professionnels – mondes de l’art, travail social et éducation – avec des effets non seulement sur la définition même du travail artistique et de son « territoire » professionnel (Abbott, 1988), mais aussi sur les « faisceaux de tâches » (Hughes, 1996) qui constituent les métiers artistiques, ou d’intermédiation (Rabot, 2015). Comment réagissent les professionnel-les de la culture face à ces évolutions ? À quel moment s’engagent-elles/ils sur ces différents terrains et quels sont les effets de ces investissements sur leurs carrières ?

Ces transformations ont aussi des effets sur la manière dont les professionnel-les conçoivent et définissent le sens de leur travail et leurs activités. À quelles conceptions du rôle de la culture ces activités renvoient-elles ? Comment les différents agents impliqués dans ces secteurs conjuguent leurs différentes missions artistiques et/ou socio-éducatives ? Et comment les différentes tâches qui leur incombent participent-elles de leurs identités professionnelles ?

 

Axe 2. Formation et accès aux professions artistiques

Nous souhaitons ici interroger les effets du brouillage des frontières entre les différentes activités professionnelles des artistes et celles des intermédiaires. Souvent conçus comme des métiers à vocation (Sorignet, 2012), les groupes professionnels des mondes artistiques sont associés à des activités qui reposent sur l’expression d’un « don » qui supposerait un écart face à des instances de formation traditionnelles (Sapiro, 2007). Les frontières changeantes des milieux culturels rendent difficile leur encadrement par un apprentissage spécifique, qui doit inclure de plus en plus de savoirs transversaux. Cela a des conséquences sur les modalités et les formes de la socialisation professionnelle des artistes.

Si d’un côté, des activités de création semblent se développer en dehors de toute contrainte institutionnelle, on constate néanmoins la montée en puissance des formations institutionnelles formelles aux métiers artistiques et culturels, et ce, malgré les représentations qui continuent de les associer à la rhétorique du « don » et du « talent » individuel (par exemple : Deslyper, 2018 ; Dubois, 2013 ; Patureau et Sinigaglia, 2020). La professionnalisation dans des domaines comme la danse ou la musique a notamment comme passage obligé l’intégration de certaines institutions (opéra, conservatoires, etc.). Pour y avoir accès, les processus de sélection semblent confirmer un système de reconnaissance qui met en valeur le charisme et la transmission précoce des savoirs, contribuant à un taux élevé de reproduction sociale dans ces institutions (Lehmann, 2005).

De quelle manière et avec quels effets les formations en art tentent-elles de répondre aux exigences de ces nouvelles activités – socio-éducatives, voire pédagogiques – ainsi qu’à l’évolution de leurs modalités de financement – montage de projet (Langeard, 2015) ? Des travaux ont montré l’élargissement de l’éventail des objets à ces « compétences » connexes dont les formations ont fait l’objet (Hughes, 1996) ; les formations gestionnaires sont notamment présentes de façon croissante dans les trajectoires des intermédiaires des secteurs culturels, en particulier dans les plus jeunes générations (Picaud, 2021). Ces compétences restent-elles occultées dans l’accompagnement professionnel, ou bien sont-elles reconnues comme objets légitimes de formation ? Observe-t-on des différences selon les contextes nationaux et locaux ? Comment les formations gestionnaires influent-elles sur les trajectoires, représentations et pratiques des professionnel-les de la culture et des artistes ?

Ceci pose également la question des élèves et des intervenant-es concerné-es par ces mutations éventuelles dans les formations, des savoirs qui y sont mobilisés, mais également des représentations du métier qui s’y donnent à observer et que ces formations contribuent à façonner.

Nous proposons ainsi de questionner le rôle joué par les instances de formation dans l’encadrement des vocations artistiques, en nous demandant comment elles participent ou non à l’évolution des frontières et contours des activités et groupes professionnels. Il s’agit également, en retour, de comprendre ce que ces redéfinitions des limites des professions artistiques font aux instances de formation, en termes de savoirs, de pratiques, de morphologie du corps professoral, etc.

 

Axe 3. La numérisation des activités et du travail dans les secteurs culturels

Depuis une vingtaine d’années, les mondes culturels font l’objet de transformations importantes liées au développement du numérique, mutations qui touchent autant les processus de production – modalités de la création (Fine, 2018 ; Robert, 2020), format des œuvres (Rabot, 2020) -, le travail d’intermédiation – recommandation aux publics (Beuscart, Coavoux et Maillard, 2019), diffusion (Chabault, 2013) – et la consommation des œuvres par les publics (Combes, 2011 ; Gilliotte, 2019 ; Guittet, 2020).

L’émergence de nouvelles formes de participation et de travail des consommatrices et consommateurs culturel-les (Dujarier, 2008 ; Pasquier, Beaudouin et Legon, 2014) ou des artistes sur les réseaux et plateformes socionumériques (Chaves Ferreira, Naulin et Jourdain, 2018 ; Flichy, 2017) questionne également, au sein des mondes de l’art et de la culture, la frontière entre consommation et production, entre profanes et professionnel-les (Hughes, 1996), de même que le passage du statut d’amateur ou amatrice à celui de professionnel-le (Beuscart et Mellet, 2015).

On observe également une reconfiguration des rôles et des activités au sein des industries culturelles à travers le recours à des outils numériques dans le travail d’intermédiation (Bielby et Roussel, 2015). De nouvelles activités apparaissent ainsi en ligne, qui reconfigurent les hiérarchies entre les groupes professionnels existants. La recherche de financements, notamment participatifs (Creton et Kitsopanidou, 2016 ; Mairesse, 2016 ; Matthews, Rouzé et Vachet, 2014), le travail de diffusion et de promotion (Allamand, 2019 ; Delaporte, 2019) ou encore d’entretien d’une proximité avec les publics (Coavoux et Roques, 2020) sont des tâches qui, en plus de faire l’objet d’une redéfinition des rôles au sein des groupes professionnels des arts et de la culture, peuvent désormais incomber aux artistes ou aux publics. Comment ces transformations modifient-elles les frontières des groupes professionnels concernés, les formes de division du travail et les pratiques ?

La pandémie, en mettant à l’arrêt le monde de la culture, a récemment accéléré ce processus de numérisation, déjà plus ou moins développé selon les secteurs. Les transformations numériques n’ont ainsi pas seulement modifié les manières de diffuser les biens symboliques, mais aussi celles de les produire, pouvant favoriser le recours à « l’indépendance » et des formes de domestication de la production comme cela a été montré pour les créatrices et créateurs de jeux vidéo (Zabban et Ter Minassian, 2020). Les groupes professionnels artistiques sont déjà marqués par un brouillage des frontières entre vie privée et vie professionnelle, en raison de l’importance de la cooptation et du capital social dans les processus de recrutement (Buscatto, 2009 ; Sorignet, 2012). Quels sont alors les effets du numérique, et de la domestication du travail qu’il permet, sur le rapport au travail des artistes, sur l’aménagement de leur temps et de leurs contraintes domestiques ? En particulier pour les femmes ?

En favorisant l’apparition de nouvelles manières d’accéder aux consommatrices et consommateurs culturel-les – visites d’expositions en ligne, click & collect, renforcement des activités de prescription sur les plateformes, etc. –cette crise interroge encore davantage la transformation des frontières entre activités de commerce, de médiation et de prescription culturelle.

Mais ces processus traduisent-ils nécessairement une révolution radicale, ou plutôt une accentuation de phénomènes antérieurs ? Comment reconfigurent-ils les frontières entre travail bénévole et rémunéré, entre art et argent, entre artistes, intermédiaires et publics, entre professionnel-les et profanes ? Comment influent-ils sur les inégalités qui caractérisent ces groupes professionnels et sur le maintien de formes d’autonomie professionnelle ? Quel rôle joue l’action publique dans ce domaine, par exemple en régulant les plateformes numériques et la circulation des contenus, ou en soutenant différents secteurs culturels ?

Axe 4. Inégalités dans les carrières artistiques et culturelles

Les milieux artistiques sont généralement considérés comme ouverts, tolérants et avant-gardistes. Ils sont pourtant, comme d’autres milieux professionnels, traversés par des inégalités de carrière et des processus de segmentation liés à divers rapports de domination (genre, classe, racisation, âgisme, sexualité, validisme, nationalité, etc.). Les champs artistiques restent des univers difficiles d’accès selon les ressources dont on dispose (Katz, 2017 ; Sinigaglia, 2017) et la position dans des systèmes d’inégalités (Buscatto, Cordier et Laillier (dir.), 2020). Si les hiérarchies et les stratifications dues à la classe sociale et au genre dans la production (Bourdieu, 1992 ; Buscatto, 2008 ; Buscatto et Marry, 2009 ; Cacouault-Bitaud et Ravet, 2008 ; Lehmann, 2005 ; Naudier et Rollet, 2007 ; Naudier, 2010), et l’intermédiation (Jeanpierre et Roueff, 2014 ; Lizé, Naudier et Roueff, 2011 ; Naudier, 2019) des biens symboliques ont fait l’objet de nombreuses recherches, celles liées aux rapports de domination fondés sur la race, l’âge, ou encore à l’orientation sexuelle n’ont été travaillées que plus récemment (Buscatto, Cordier et Laillier (dir.), 2020 ; Harchi, 2020 ; Levy et Quemin, 2019).

Depuis une vingtaine d’années, de nombreux travaux issus de la recherche féministe ont analysé les intersections entre les systèmes de domination (principalement la classe sociale, le genre et la race) et ont montré que ceux-ci ne sont ni isolés, ni mécaniquement cumulatifs, mais bien interdépendants et co-construits (Bereni et al., 2012 ; Chauvin et Jaunait, 2015 ; Crenshaw, 2005 [1991]). Nous invitons donc les personnes souhaitant proposer une contribution à analyser la manière dont se construisent, se reproduisent ou se transforment ces inégalités dans les milieux artistiques et culturels, en choisissant de privilégier l’un de ces rapports de domination ou en mobilisant une approche intersectionnelle sensible à l’imbrication des rapports sociaux.

Il s’agira de tenir compte des crises et des transformations économiques, politiques et sociales ayant affecté les milieux artistiques ces dernières années (crise liée à l’épidémie de Covid-19, mouvement #Metoo, numérisation, évolutions des formes de financement de l’activité artistique, réforme du statut des artistes-auteur·rices, etc.) pour réfléchir aux dynamiques professionnelles qui les caractérisent. Dans quelle mesure ces dernières sont-elles affectées par les inégalités de genre, de classe, de race, etc. d’accès aux formations et aux professions artistiques, et de progression dans ces carrières ? Quels régimes d’inégalités (Acker, 2009) se dessinent dans les mondes de l’art suite à ces transformations ? Par exemple, les inégalités sur les marchés du travail artistique ne sont pas apparues avec la crise sanitaire, économique et sociale liée à l’épidémie de Covid-19. Mais cette crise, en affectant fortement les opportunités de production et de diffusion du travail artistique, et en augmentant la concurrence déjà intense entre artistes, peut jouer comme révélateur des processus sociaux de construction et de transgression des inégalités liées à divers rapports de domination dans les milieux artistiques. On pourra également interroger le rôle des politiques publiques, et en particulier les dispositifs de soutien mis en place depuis mars 2020, dans l’évolution des inégalités liées au genre, à la race, à l’âge, etc. dans les groupes professionnels artistiques et culturels. Enfin, on pourra se demander dans quelle mesure les mobilisations contre les violences sexistes et sexuelles dans les milieux artistiques renouvellent, ou non, les interactions au travail, les pratiques professionnelles et les processus de segmentation à l’œuvre dans ces mondes professionnels.

Modalités de soumission des propositions

Les réponses à l’appel à communications seront à envoyer pour le 15 avril 2022 à l’adresse rt14.afs@gmail.com .

Informations attendues : Noms de(s) autrice(s) et auteur(s), statut, rattachement, adresse électronique, axe(s) envisagé(s), titre de la communication, résumé, mots-clés.

Le résumé comportera entre 3000 et 5000 signes (espaces compris), contenant la présentation claire de la question de recherche, de la méthodologie et des données employées, les principaux résultats ainsi que les principales références bibliographiques mobilisées.

Les propositions de doctorant-es et de jeunes chercheur-es sont encouragées et feront l’objet d’une attention particulière. Le comité d’organisation rappelle que tous les moyens de recherches budgétaires sont mis en œuvre pour permettre aux collègues ne bénéficiant pas de soutien financier de se déplacer sans frais (prise en charge par l’organisation des transports, des hôtels et des repas pour les collègues les plus précaires ou les moins bien doté-es).

Calendrier

15 avril 2022                            Date limite pour l’envoi des propositions de communication

Début juin 2022                        Communication du résultat de la sélection après évaluation

10 octobre 2022                       Envoi des supports de communications au comité d’organisation

20 et 21 octobre 2022              Tenue du colloque à Paris (Site Pouchet du CNRS).

Comité d’organisation

Anne Bessette, ATER (Université Paris Nanterre, associée au Cerlis)

Emmanuelle Guittet, chercheuse postdoctorale (LabEx ICCA, Cerlis)

Elodie Hommel, PRCE (Université Paul Valéry Montpellier 3, CMW)

Florence Legendre, MCF (CEREP, URCA)

Bianca Maretti, doctorante (IReMus)

Muriel Mille, MCF (UVSQ, Printemps)

Maylis Nouvellon, docteure (indépendante)

Myrtille Picaud, chercheuse postdoctorale (Université Grenoble Alpes, Pacte, CEE)

Mathilde Provansal, chercheuse postdoctorale (LMU Munich, associée à l’IDHE.S et au CEET)

Francesca Quercia, chercheuse postdoctorale (HETSL HES-SO, associée au CMW)

Comité scientifique

Le comité scientifique est composé des membres du comité d’organisation, et de :

Marlène Bouvet, doctorante (ENS Lyon, CMW) et ATER (Université Clermont-Auvergne)

Laura Cappelle, chercheuse associée (Cerlis)

Frédéric Charles, Professeur des universités (Université de Picardie Jules Verne, Curapp)

Clément Combes, chercheur contractuel (CNRS, Cerlis)

Quentin Gilliotte, enseignant-chercheur contractuel (Université de Paris, Cerlis)

Serge Katz, MCF (Université de Picardie Jules Verne, Curapp)

Anna Mesclon, doctorante (Université de Nantes, CENS)

Clémence Perronnet, MCF (UCO, LIFRE)

Florent Schepens, professeur des Universités (Université de Franche Comté, LASA)

Laure de Verdalle, directrice de recherche (CNRS, Printemps)

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