Tous les articles par Quentin Gilliotte

Programme (2025)

Programme du RT14 (Sociologie des arts et de la culture)

Congrès de l’Association Française de Sociologie 2025

Toulouse, du 8 au 11 juillet

Le RT14 (sociologie des arts et de la culture) est fier de vous présenter son programme dans le cadre du Congrès de l’AFS qui se tiendra du 8 au 11 juillet à Toulouse.

Par ailleurs, si vous souhaitez nous rejoindre pour le prochain mandat (2 ans, 2025-2027), nous serions ravi.es de vous accueillir dans le cadre de l’AG du RT14 qui se tiendra vendredi 11 juillet 2025 de 9h30 à 10h30. Les candidatures se font directement sur place pendant la réunion. En tant que membre du bureau, vous pouvez participer au choix aux différentes activités du RT14.

Pour rappel, les activités du RT14 se structurent autour de trois types d’événement : 

  1. La sélection et l’animation des sessions du RT durant le Congrès de l’AFS tous les deux ans
  2. L’organisation d’un colloque (en général en partenariat avec un autre RT) tous les deux ans (en alternance avec le Congrès). Les quatre derniers colloques étaient les suivants : 
  • La ”transition écologique” dans les arts et la culture ». En partenariat avec le RT38 “Sociologie de l’environnement et des crises”. 14 et 15 novembre 2024, Paris
  • Contours du travail et frontières des groupes professionnels dans les arts et la culture. En partenariat avec le RT1 “Savoirs, travail, professions”. 20 et 21 octobre 2022, Paris
  • Loisirs et styles de vie. En partenariat avec le RT11 “Sociologie de la consommation et du numérique”. 14 et 15 octobre 2021, Paris
  • Penser l’articulation des rapports sociaux de sexe, de classe et de race en sociologie des arts et de la culture. En partenariat avec le RT 24 “Sexe, classe, race : rapports sociaux et construction de l’altérité”. 15 et 16 novembre 2018, Paris
  1. La mise en place des Rencontres du RT14, temps d’échange entre des auteurs d’ouvrages récents en sociologie de la culture prenant la forme d’une interview entre un membre du RT14 suivi d’un temps d’échange avec le public sur place. 

Par ailleurs, vous pouvez retrouver toutes les activités du RT14 surb notre carnet Hypothèse : https://rt14.hypotheses.org/

Session 1 – A

Jour : Mardi | Créneau : 10h-12h | Durée : 2h

Titre de session : Les politiques publiques et leurs effets

  • Lise COTTET – Doctorante au Centre Maurice Halbwachs, EHESS

« Les aides publiques au jeu vidéo français : un vecteur d’inclusion et de diversité ? »

  • Sarah ROUGNANT – Doctorante, CESSP, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne

« Les effets du soutien public à la création sur la visibilité des artistes visuels »

  • Alice LE GALL CECILLON – Doctorante, LIER-FYT, EHESS

« La problématisation des inégalités culturelles en France : quand l’État social prend en charge la question du temps libre »

  • Tiphaine VILBERT – Doctorante, LCSP, Université Paris-Cité

« La fabrique des statistiques publiques muséales : mesurer les politiques de réduction des inégalités d’accès à la culture »

 

Session 1 – B

Jour : Mardi | Créneau : 10h-12h | Durée : 2h

Titre de session : Inégalités des trajectoires professionnelles dans les mondes de l’art

  • Luca LESPORT – Doctorant, CLERSÉ, Université de Lille

« Acquérir un premier crédit de cinéaste. Les trajectoires d’insertion professionnelle des aspirant∙es à la réalisation issu∙es de la Fémis »

  • Marion DEMONTEIL – MCF, CURAPP-ESS, Université de Picardie Jules Verne, Madlyne SAMAK– MCF, LISST-CERS, Institut national universitaire Champollion d’Albi

« Parcours d’emploi des artistes et technicien.nes en région. Inégalités territoriales et arrangements conjugaux »

  • Robin CASSE – Ingénieur d’études, Université Grenoble-Alpes et membre associé au LACCUS, Université de Lausanne

« Se faire une place en tant qu’artiste : portrait d’un créateur sonore »

  • Bastien LOUESSARD – MCF, LabSIC, Université Sorbonne Paris Nord

« Inégalités dans une filière en mutation : les créateur·rices de vidéo sur internet face aux reconfigurations du travail artistique »

Session 2 – A

Jour : Mardi | Créneau : 16h30-18h30 | Durée : 2h

Titre de session : Organisation du travail artistique et inégalités

  • Deborah GAY – MCF, LERASS, Université Toujours Jean Jaurés

« Genre et race dans les fictions radiophoniques : environnement de production et (in-)audibilité des minorités »

  • Louis PASTOR – Doctorant, CRESPPA-CSU, Université Paris 8

« Des “alliés objectifs” ? Les relations entre directrices de casting et comédien·nes au sein des environnements professionnels et politisés de l’audiovisuel »

  • Cécile TALBOT – Post-doctorante, Centre Max Weber, Université Lumière Lyon 2

« Quand la mobilisation ravive les rapports de domination : les coûts et les effets d’une mobilisation pour l’égalité femmes-hommes dans le milieu du spectacle vivant »

  • Alice LAURENT-CAMENA – Doctorante, Arènes, Université Rennes 2

« De la rumeur au call-out. Les dénonciations de violences fondées sur le genre dans le monde de l’art des musiques électroniques en France »

 

Session 2 – B

Jour : Mardi | Créneau : 16h30-18h30 | Durée : 2h

Titre de session : Ce que l’écologie fait à la culture

  •  Anna BERRARD – Doctorante, CEMS, EHESS

« Des livres pour l’écologie du quotidien : formation éditoriale et usages sociaux »

  • Tristan DOMINGUEZ – Docteur, GRIPIC, CELSA

« “La fable écologique masque une utopie totalitaire où l’image s’impose de force” : La réception des blockbusters écologiques par la critique cinématographique »

  • Maylis NOUVELLON – Chargée d’étude chez Voix/Publics
  • Pauline Masset – Chargée d’étude chez Voix/Publics

« “Je savais mais ça me l’a renvoyé à la gueule” : la réception de 2 expositions sur les enjeux environnementaux »

  • Anaïs ROESCH – Doctorante, IDHE.S, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne

« Exposer le vivant en centre d’art : à qui incombe l’art de la maintenance ? De l’œuvre écologique à l’écologie des relations, élargir la question du soin »

 

Session 3 (unique)

Jour : Mercredi | Créneau : 8h30-10h | Durée : 1h30

Titre de session : Transformations des pratiques de lecture en milieu numérique

  • Claire DUCOURNAU – MCF HDR, RIRRA21, Université de Montpellier Paul-Valéry
    Elodie Hommel – PRCE, Centre Max Weber, Université de Montpellier Paul Valéry

« “Ça a changé ma vie” : l’écoute de livres audio en contextes, entre pratique émancipatrice et renforcement des clivages de genre »

  • Juliette PARMENTIER – Doctorante, ReSIC, Université Libre de Bruxelles

« Des chiffres et des lettres : les effets de la quantification des pratiques de lecture sur les utilisateurs de plateformes littéraires »

  • Ana DOLDAN MONTIEL – Doctorante, CREDA, Université Sorbonne Nouvelle

« Faire son éducation sentimentale à l’eau de rose numérique : une ethnographie des appropriations jeunes du livre au Paraguay »

 

Session 4 – A

Jour : Mercredi | Créneau : 10h30-12h30 | Durée : 2h

Titre de session : Légitimation et trajectoires sociales

  • Lucas PONTZEELE – Doctorant, CARISM, Université Paris-Panthéon-Assas

« Cultures et trajectoires sociales : une étude des pratiques culturelles d’individus en situation de mobilité sociale ascendante »

  • Anton OLIVE-ALVAREZ – Docteur en sociologie, rattaché au Mésopolhis, Aix-Marseille Université

« Apprend-t-on le goût dominant dans les écoles dominantes ? Résultats d’un retour sur une enquête portant sur les pratiques d’écoutes musicales d’élèves de Grandes Écoles parisiennes »

  • Marie SONNETTE-MANOUGUIAN – MCF (en détachement), membre associée au Cresppa-CSU, Université d’Angers

« Inégalités et tensions dans l’institutionnalisation de la culture hip-hop : Une ethnographie en banlieue parisienne dans les années 2020 »

  •  Eunyoung WON – Doctorante, CESSP, EHESS

« Vendre le cinéma sud-coréen : intermédiation marchande et fabrique des représentations dans le champ cinématographique transnational »

Session 4 – B

Jour : Mercredi | Créneau : 10h30-12h30 | Durée : 2h

Titre de session : L’action culturelle et ses publics

  • Louise BAUDINET – Doctorante, CREAT, Université de Lorraine

« Une réception culturelle entre inégalités et milieu contraint : l’action culturelle en prison »

  • Delphine SAURIER – MCF, Audiencia Nantes

« Quand une médiation rencontre les arts littéraires »

  • Séverine DESSAJAN – Ingénieure au CERLIS, Université Paris Cité
    Etienne TARDY – Doctorant, CERLIS, Université Paris Cité

« Enjeux autour de la réception d’un projet d’exposition collaborative par des collégiens et lycéens pour le Musée Mémorial du Terrorisme »

  • Guillaume PARIS – Doctorant, CESSP, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne

« L’anglais au cœur de la recomposition du capital culturel ? Pratiques culturelles, inégalités et expériences de l’apprentissage de l’anglais à l’âge adulte »

 

Session 5 – A

Jour : Jeudi | Créneau : 11h-12h30 | Durée : 1h30

Titre de session : Reconfigurations des hiérarchies culturelle

  • Zoé HALLER – Docteure, Dysolab, Université de Rouen, ESACM

« De la création à l’action culturelle. Les effets ambivalents des dispositifs publics d’action culturelle chez les diplômé⋅es d’une école d’art territoriale »

  • Eliot FORCADELL – Doctorant, Pacte, Université Grenoble Alpes

« Éclectisme et conversation culturelle en réseau »

  • Viviane ALBENGA – PU, CITERES, Université de Tours, IUF

« Les réseaux sociaux numériques reconfigurent-ils les effets du capital culturel sur le genre ? Le cas d’étudiant·es féministes en France et en Espagne »

 

Session 5 – B

Jour : Jeudi | Créneau : 11h-12h30 | Durée : 1h30

Titre de session : Les professionnel·le·s/amateur·ice·s

  • Irène BASTARD – Chercheuse associée au COSTECH, Université Technologique de Compiègne, Iñaki Ponce Nazabal – Docteur, LabSIC, Université Sorbonne Paris Nord et chargé de recherche à la BnF

« L’autoédition, une alternative aux inégalités d’accès à la publication ? »

  • Garance BRESSAUD – Doctorante, CRAL, EHESS

« Faire du rap “de chambre” : comment les pratiques numériques recomposent-elles l’espace social du rap amateur ? »

  • Emmanuelle CARINOS – Docteure, CRESPPA, Université d’Angers

« De public subalterne à public oppositionnel : le cas des amatrices de rap français »

 

Session 6 – A

Jour : Vendredi | Créneau : 11h-13h | Durée : 2h

Titre de session : Professionnel·le·s et professionnalisation dans le secteur musical

  • François-Guillaume GIROUX – Doctorant, CESSP, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne

« De leurs propres chefs. Les formations de musique autogérées, des espaces de production égalitaires ? »

  • Guillaume LURTON – MCF, CEREGE, Université de Poitiers

« La professionnalisation de la direction de chœur : transformation d’une médiation musicale »

  • Anastasia CHOQUET – Docteure, CARISM, Université Paris-Panthéon-Assas

« La création de la programmation musicale de Fip : libertés et contraintes dans un environnement radiophonique de service public »

  • Júlia DONLEY – Doctorante, CREDA, Université Sorbonne Nouvelle

« Cousin riche, cousin pauvre : le champ du pouvoir au cœur des inégalités structurelles entre deux orchestres brésiliens »

 

Session 6 – B

Jour : Vendredi | Créneau : 11h-13h | Durée : 2h

Titre de session : Pratiques culturelles et inégalités

  • Florence ELOY – MCF, Circeft-Escol, Université Paris 8, Rémi DESLPYER   – MCF, Lyon 2 / ISPEF, Claire DESMITT – MCF, Paris 8 / CIRCEFT-Escol, Simon KECHICHIAN – ECC, LaRAC, UGA, CMW, Lyon 2, Alexandre ROBERT – PAST, Sorbonne Université / IReMus

« Pratiques du chant et construction des inégalités durant la prime enfance : entre transmission de rapports à la culture inégalement rentables et développement de dispositions au “charisme enfantin” »

  • Margaux LOMBARD – Doctorante, LAM/SciencesPo Bordeaux & UNIL

« Rapports de pouvoir (post)coloniaux dans la coopération culturelle française : dans la fabrique d’un projet de cirque contemporain entre la Guinée et la France »

  • Julie THOMAS – MCF, Centre Wax Weber, Université Jean Monnet de St Étienne pour l’équipe ‘Dansesà2’ (François Feliu, Carine Guérandel, Aurélia Mardon, Charlotte Parmantier, Amélie Pouillaude)

« Des danses “de couple” ? Les (re)configurations actuelles des inégalités de genre dans les danses à deux »

  • Vincent BERRY – PU, EXPERICE, Université Sorbonne Paris-Nord, Pierre MERCKLé – PU, PACTE, Université Grenoble Alpes, Eliot FORCADELL – doctorant, PACTE, Université Grenoble Alpes, Simon LE ROUX – doctorant, EXPERICE, Université Sorbonne Paris-Nord

« Ce que le COVID a fait aux loisirs. Évolutions et transformations des pratiques et des attitudes en matière d’occupations du temps libre pendant et après la crise sanitaire »



Appel à communications – Congrès AFS 2025 – RT14

Le réseau thématique (RT) 14 souhaite proposer une réflexion autour de l’articulation entre environnement(s) et inégalités. L’appel entend ainsi appréhender le concept d’environnement dans ses multiples acceptions : environnements sociotechniques, cadres spatiaux des pratiques, groupes professionnels, réseaux d’acteurs, rapport aux enjeux écologiques, entre autres. Les propositions de communication devront donc accorder une attention particulière aux manières dont les inégalités — qu’elles concernent la production, la diffusion, la médiation ou la consommation — se manifestent différemment en fonction des environnements et contextes considérés, produisent des effets variables, ou appellent des réponses spécifiques. 

L’appel se structure autour de 7 axes qui visent à faciliter la préparation des propositions de communication. Ces dernières peuvent donc s’inscrire dans un ou plusieurs axes.

Axe 1 — Pratiques culturelles et inégalités

Les dernières décennies ont été le théâtre de profondes transformations, tant dans les modes d’accès aux biens culturels que dans la nature des formes culturelles consommées. Ces mutations réactualisent le questionnement sur les formes contemporaines de distinction (Coulangeon & Duval, 2014 ; Prieur et al., 2023). Cela est particulièrement le cas pour les jeunes publics pour lesquels les recherches les plus récentes montrent pourtant la persistance d’inégalités socioculturelles importantes (Boyadjian, 2022). La persistance de formes de stratification sociale dans les pratiques culturelles ne doit cependant pas occulter les dynamiques de recomposition de certaines hiérarchies symboliques, notamment au sein des classes supérieures, où le cosmopolitisme et l’éclectisme peuvent exprimer une volonté de se démarquer du « snobisme » traditionnel (O’Brien & Ianni, 2023).

Comment les phénomènes de frontières symboliques entre les groupes sociaux se manifestent-ils concrètement à travers la culture ? Comment les hiérarchies se manifestent-elles selon les différents environnements (sociaux, techniques, professionnels) ? Il convient également de s’interroger sur le lien entre les inégalités dans les pratiques culturelles et les grandes formes d’inégalités sociales, en particulier dans les sphères scolaire et professionnelle. Le rendement des pratiques culturelles légitimes est-il toujours aussi déterminant dans l’obtention d’une position sociale privilégiée ?

Axe 2 — Contextes de la réception 

La sociologie de la réception a souligné l’importance du contexte de consommation culturelle (domestique ou public, individuel ou collectif, rural ou urbain, etc.) et la façon dont il s’imbrique avec les rapports sociaux (de genre, de classe, etc.) pour orienter les modes d’appropriation des œuvres et des produits culturels en général (Albenga, 2017 ; Eloy, Mabille, et al., 2021 ; Radway, 1991). Ces questions se posent à nouveaux frais à l’heure des pratiques culturelles en régime numérique (Gilliotte, 2022). Si la participation en ligne est marquée par de fortes inégalités (Cardon, 2019), le numérique offre aussi des espaces de démocratisation et d’appropriation de connaissances culturelles par les membres des classes populaires et moyennes peu dotés en capitaux culturels et scolaires (Pasquier, 2018). Par ailleurs, certains contextes de consommation culturelle peuvent permettre de constituer des espaces de sociabilité, offrant la possibilité de valoriser des pratiques, des productions culturelles ou des styles de vie peu légitimes, voire ouvrir des espaces de négociation des normes et des injonctions sociales liées, par exemple, au genre ou à la race (Bobo 1995; Chedaleux, 2018; Delaporte et al., 2022; Zabban & Guittet, 2022)

Comment s’articulent concrètement les contextes de réception culturelle et les différentes formes d’inégalités (de classe, de genre, de race, etc.) ? De quelle manière environnement matériel et environnement social s’imbriquent-ils dans l’expérience de réception culturelle ? Quels sont les effets des inégalités socioculturelles sur les environnements ou les contextes de consommation et de réception culturelle ? Quels sont, a contrario, les effets des environnements sociotechniques de la consommation culturelle (support numérique ou « traditionnel », etc.) sur la valeur symbolique de telle ou telle pratique et, le cas échéant, des groupes sociaux qui y seraient particulièrement associés ? 

Axe 3 — Inégalités dans les environnements professionnels du travail artistique

De nombreux travaux ont déjà souligné les fortes inégalités qui existent dans l’organisation du travail au sein des institutions et industries culturelles et des professions artistiques, en particulier dans l’accès aux fonctions les plus prestigieuses. D’une part, ces inégalités demeurent d’abord dans la professionnalisation artistique des femmes, par exemple dans les professions musicales (Ravet, 2014, 2016) ou dans l’accès au marché de l’art contemporain (Provansal, 2023). Alors qu’elles sont majoritaires dans les écoles d’art, « elles deviennent moins actives, moins payées, moins aidées, moins programmées, moins récompensées, et enfin moins en situation de responsabilité que leurs homologues » (HCE, 2018). D’autre part, prendre sa place et la garder dans le champ de production culturelle (Bourdieu, 1992) reste fortement lié à l’origine sociale et aux ressources des professionnel·les. Le fonctionnement des institutions et industries culturelles, marqué par le poids du capital social, des formations suivies, de la cooptation, par des implicites parfois élitistes, continue à favoriser le recrutement de personnes issues des classes supérieures et les carrières masculines (comme dans la haute administration culturelle par exemple, Jacquemart et al., 2022) et s’accompagnent parfois de processus d’auto-exclusion de celles issues de milieux populaires (Buscatto et al., 2021)

Dès lors, il s’agit d’étudier les évolutions de ces inégalités entre et au sein des groupes professionnels dans les arts et la culture en analysant comment s’organise la division du travail, si ces inégalités selon le genre, la classe ou la race se maintiennent ou s’atténuent. Cela peut inclure par exemple l’analyse des mobilisations professionnelles et controverses récentes pointant les inégalités de genre ou de race et le manque de diversité dans les arts et la culture (cf. études Cinégalités, mobilisations contre les violences sexistes et sexuelles au théâtre ou au cinéma, mobilisation des danseurs de l’opéra de Paris).

Axe 4 — Création artistique et culturelle dans des environnements contraints

Au-delà de l’inégal accès aux postes de pouvoir, ces luttes dans la hiérarchie symbolique se traduisent également au sein des œuvres elles-mêmes. Loin de l’idéal de la création artistique comme émanant de la volonté d’un·e artiste unique vers son public, de nombreux acteurs de l’écosystème créatif (artistes, producteurs, institutions, publics, et politiques publiques) viennent agir directement sur le processus de création. Certains travaux soulignent les contradictions vécues par les personnes chargées de la création ou de la production lorsqu’elles sont amené·es à produire des œuvres dans la lignée ou en rupture avec leurs propres dispositions esthétiques — à l’image des scénaristes de Plus Belle la Vie étudié·es par Muriel Mille (2024) — afin de répondre aux exigences commerciales et aux attentes d’acteurs tiers. La tension classique entre les logiques esthétiques et économiques est particulièrement forte dans le milieu du cinéma et des séries, rejoignant le clivage entre réussite économique d’une œuvre et sa reconnaissance artistique, blockbusters et films d’auteur (Duval, 2011). La logique marchande dans la création des œuvres n’est souvent pas détachable des types de contrats qui lient les artistes aux personnes en charge de la production ou de l’édition, comme dans le cas du marché du livre, du jeu vidéo ou de la musique enregistrée. Dans ce cadre, l’apparition des plateformes du type Netflix a semblé constituer d’abord un environnement économique permettant l’émergence d’autres récits et favorisant une plus grande liberté de création : dans la continuité de travaux récents sur ces nouveaux acteurs de la production culturelle, on peut s’interroger sur les marges de manœuvre des artistes et professionnel·les face aux plateformes, aux nouveaux rapports de force qui se nouent au sein de ces industries culturelles. Ces contraintes économiques souvent associées aux professionnel·les travaillant au sein des industries culturelles existent aussi pour les artistes ordinaires (Delaporte et al., 2022) en contact avec les institutions culturelles. Ils et elles peuvent être confronté·es à des demandes contradictoires de leurs financeurs, ou devoir multiplier les activités et les projets artistiques pour vivre de leur métier (Bataille, et al., 2019 ; Bureau et al., 2009; Menger, 1989, 2005). 

Comment s’articulent les différentes trajectoires des professionnel·les de la culture avec les représentations et les valeurs à l’intérieur des œuvres culturelles ? Comment se font les arbitrages entre les différents acteurs et actrices sur la façon de penser les représentations, les personnages, les scénarios ou œuvres en fonction à la fois des modèles économiques, des secteurs, des aires linguistiques ? 

Axe 5 — Politiques publiques et réduction des inégalités culturelles/d’accès à la culture

Qu’il s’agisse de l’accès aux professions artistiques ou de l’accès à des financements pour la réalisation d’œuvres, c’est l’État qui est le plus souvent sommé d’intervenir pour réduire les inégalités entre les créateurs et créatrices des différents mondes de l’art, mais aussi en termes d’accès à la culture. Les communications pourront ainsi porter sur le rôle de l’État en tant qu’opérateur de réduction des inégalités, à travers la mise en place de politiques publiques culturelles. La crise du COVID-19, à l’instar d’autres crises, peut également être une entrée privilégiée en tant qu’elle constitue une épreuve qui accentue les inégalités existantes dans les professions artistiques, rend visible le rôle de l’État dans les marchés de l’art, et favorise la réflexivité des acteurs sur les interdépendances qui les lient à d’autres acteurs du secteur. Le Pass Culture est une illustration d’une certaine conception de la consommation culturelle comme dépendant d’une barrière économique, alors que la sociologie de la culture montre depuis longtemps les nombreux autres ressorts du goût et de l’intérêt porté à certains genres ou univers culturels. Cette politique apparaît par ailleurs en rupture avec les politiques historiques du ministère de la Culture (Poirrier, 2011), ayant essentiellement consisté à subventionner les producteurs culturels les moins rentables alors que le Pass Culture repose, au contraire, sur un mécanisme de marché pour l’allocation des subventions étatiques. 

Comment évolue le rôle de l’État français (Thévenin & Moeschler, 2018) dans la structuration du marché de la production artistique et culturelle ? Par quels mécanismes les politiques culturelles entendent-elles réduire les inégalités d’accès à la culture ? Quels en sont les résultats ?

Axe 6 — Les transformations de la médiation culturelle face aux inégalités

Au-delà de la place des politiques publiques se pose également la question du rôle joué par un certain nombre d’intermédiaires qui cherchent à « mettre en relation un individu ou un groupe avec une proposition culturelle ou artistique (œuvre d’art singulière, exposition, concert, spectacle, etc.), afin de favoriser son appréhension, sa connaissance et son appréciation » (Aboudrar & Mairesse, 2022). Comme le rappellent Eloy et al. (2021), deux discours sur la transmission de la culture sont majoritaires, en particulier lorsqu’il s’agit des publics juvéniles : d’une part la représentation d’une forme d’aliénation face à des industries culturelles puissantes pour imposer des goûts et des pratiques culturelles ; de l’autre, l’image d’une hyperautonomie de ces mêmes publics dans la consommation culturelle.

Dans ce contexte, à qui s’adressent leurs actions de médiation culturelle ? Comment ces professionnel.les de la médiation mettent-ils et elles en œuvre des politiques de démocratisation culturelle tout en tenant compte des multiples formes d’inégalités, sociales, économiques ou territoriales, qui structurent leurs publics ? Comment les personnes en charge de la médiation peuvent-elles se saisir des productions culturelles et artistiques comme outil de lutte contre différentes formes d’inégalités (à l’égard des minorités sexuelles, racisées, des personnes handicapées, etc.) ? Quels sont les autres leviers dont ils et elles disposent pour ajuster leur démarche aux spécificités des groupes qu’ils et elles souhaitent toucher ?  

Axe 7 — Enjeux environnementaux de la production et de la consommation culturelles et artistiques

Au-delà des enjeux sociaux, l’axe s’intéresse aussi aux défis écologiques que rencontrent les industries culturelles et créatives, et cela à deux niveaux : d’abord au niveau de la production des industries culturelles. Les tensions sont vives entre des productions soucieuses de sobriété (ex. : production durable de décors, choix de matériaux) et les contraintes économiques, qui imposent souvent une accélération des rythmes de production pour satisfaire à la fois les publics et les investisseurs (Oakley & Banks, 2021). Le cas des productions cinématographiques ou télévisuelles illustre particulièrement cette problématique, avec des coûts environnementaux croissants liés à des rythmes intenses de tournage et de diffusion, mais ces mêmes thématiques se déclinent également dans d’autres secteurs (scénographies de concerts, de musées, etc.). Comment les acteurs et actrices de la culture adaptent-ils et elles leurs pratiques pour répondre aux urgences écologiques ? Comment les enjeux écologiques et environnementaux sont-ils pris en compte au sein des productions culturelles et artistiques ? Ces enjeux écologiques se posent également au niveau de la consommation. Si on trouve de plus en plus d’enquêtes sur les pratiques écocitoyennes (Carfagna et al., 2014; Ginsburger, 2020) et sur la conversion écologique des modes de vie (Grossetête, 2019), l’étude de l’articulation plus fine entre pratiques culturelles et enjeux écologiques reste un peu moins développée. Comment les individus ont-ils transformé ou non leurs pratiques culturelles à la lueur de ces enjeux environnementaux ? Comment ces enjeux environnementaux s’articulent-ils aux inégalités de consommation ?  

Varia

Les personnes qui souhaitent communiquer sont invitées à privilégier les propositions qui s’inscrivent dans les axes précédents, issus du thème général du congrès. Cependant, ces axes ne sont pas exhaustifs. En effet, le RT14 entend faire écho à l’actualité de la sociologie des arts et de la culture dans sa globalité. Il est donc ouvert à toutes les propositions de communication présentant des recherches inscrites dans ce champ.

Modalités de soumission des propositions

Structure de la proposition à envoyer

Le résumé comportera entre 3000 et 5000 signes (espaces compris, hors bibliographie, 5 références maximum), et devra impérativement contenir les éléments suivants : 

  • une présentation claire du contexte, de la question de recherche et du cadre théorique en mobilisant des références bibliographiques pour justifier la pertinence du sujet ;
  • une présentation de la méthodologie et des données employées (en chiffrant précisément, en explicitant les techniques mobilisées) ;
  • une esquisse des principaux résultats (ou des hypothèses si le terrain est en cours). 

Informations attendues

  • Noms de(s) auteur·e(s), 
  • Statut, 
  • Rattachement, 
  • Adresse électronique, 
  • Axe, 
  • Titre de la communication, 
  • Résumé, 
  • Mots-clés.

Dépôt des propositions

Les réponses à l’appel à communications sont à déposer exclusivement au moyen du formulaire dédié sur la page de l’appel du RT14 sur le site de l’AFS : 

https://afs-socio.fr/appel-a-communication/7031/rt14-sociologie-des-arts-et-de-la-cultu re-congres-2025-afs/

Les propositions envoyées par d’autres moyens que les formulaires dédiés sur le site de l’AFS ne seront pas prises en considération.

Evaluation des propositions

Les propositions reçues par le Comité Scientifique des sessions du RT14 seront anonymisées et distribuées à deux relecteurs et relectrices en charge de sélectionner les propositions à partir d’une grille commune, évaluant notamment la clarté et l’originalité de la question de recherche, la rigueur et la pertinence de la méthodologie, et l’intérêt des premiers résultats esquissés (ou à défaut la qualité des hypothèses formulées).

Calendrier

  • 15/01/25 : date limite pour l’envoi des propositions de communication 
  • avant mi-février : Communication du résultat de la sélection après évaluation anonyme par deux membres du comité scientifique
  • 26/06/25 : date limite pour l’envoi des textes supports des interventions (15 minutes), pour transmission aux discutant·es
  • Du mardi 08/07 au vendredi 11/07/2025 : tenue du Congrès à Toulouse

Format des communications

Les communications se feront par plage de 30 minutes, avec 15 minutes de présentation et 15 minutes d’échange avec le public.

Il est attendu des communicants et communicantes d’articuler autant que possible leur présentation de la façon suivante : 

  • une présentation claire du contexte, de la question de recherche et du cadre théorique ;
  • une présentation de la méthodologie et des données employées (en chiffrant précisément, en explicitant les techniques mobilisées) ;
  • une présentation des principaux résultats, en n’oubliant pas de mobiliser des matériaux d’enquête.

Les personnes retenues pour communiquer durant le Congrès devront également veiller à favoriser les discussions entre les communications (notamment au sein d’une même session). Il sera également attendu qu’elles communiquent leur présentation en amont du Congrès.

Informations importantes

Pour participer au Congrès, il faudra adhérer à l’AFS et s’acquitter de droits d’inscription. Lors du précédent Congrès de 2023, l’adhésion s’élevait à 41 € pour les non-titulaires et 103 € pour les titulaires ; l’inscription au Congrès à 61 € pour les non-titulaires et 152 € pour les titulaires. Les tarifs pour le Congrès de Toulouse seront légèrement plus élevés (inflation). Les collègues non-titulaires qui ne peuvent être financé. es par leur laboratoire pourront, sur présentation de dossier, être exonéré. es des droits d’inscription et bénéficier d’une aide pour le transport et le logement. La procédure pour la demande d’exonération des droits d’inscription sera précisée plus tard.

L’accès au Congrès se veut le plus inclusif possible :

  • Des dispositifs de lutte contre les violences sexistes et sexuelles seront mis en place.
  • Si vous avez besoin de services d’accompagnement en raison d’une situation de handicap, vous pourrez le signaler dans le cas où votre communication est retenue. Le comité d’organisation mettra tout en œuvre pour essayer de répondre à vos demandes.
  • Si vous avez besoin de services de crèche pendant le Congrès vous pourrez le signaler au moment de l’inscription. Le comité local essayera de proposer un mode de garde.

Comité d’organisation

Le comité d’organisation est composé des membres suivants : 

Abel AUSSANT, Doctorant, Sciences Po Paris, CRIS

Marie-Laure BERNON, Docteure, Université d’Orléans, Cedete 

Delphine CHEDALEUX, MCF, Université de Technologie de Compiègne, COSTECH

Quentin GILLIOTTE, Professeur Junior, Université Paris-Panthéon-ASSAS, CARISM

Noé LATREILLE DE FOZIÈRES, Doctorant, LIER-FYT (EHESS, CNRS)

Comité scientifique

Le comité scientifique est composé de l’ensemble des membres du bureau du RT14, à savoir : 

Abel AUSSANT, Doctorant, Sciences Po Paris, CRIS

Marie-Laure BERNON, Docteure, Université d’Orléans, Cedete

Anne BESSETTE, Post-doctorante, Labex ICCA, Cerlis

Delphine CHEDALEUX, MCF, Université de Technologie de Compiègne, COSTECH

Elise CHIÈZE-WATTINNE, Docteure, CERLIS

Clément COMBES, MCF, Université Sorbonne Nouvelle, IRMÉCCEN

Tristan DOMINGUEZ, Ater, Sorbonne Université, Gripic

Quentin GILLIOTTE, Professeur Junior, Université Paris-Panthéon-Assas, Carism

Karim HAMMOU, chargé de recherche CNRS, Cresppa-CSU

Reguina HATZIPETROU-ANDRONIKOU, MCF, Nantes Université, CENS

Noé LATREILLE DE FOZIÈRES, Doctorant, LIER-FYT (EHESS, CNRS)

Bianca MARETTI, Doctorante contractuelle, Sorbonne Université, IReMus

Marco MARY, Doctorante contractuel, IEP Toulouse, LASSP

Anna MESCLON, Docteure, Nantes Université, CENS

Muriel MILLE, MCF, Université Versailles St-Quentin-en-Yvelines, Printemps

Myrtille PICAUD, Chargée recherches CNRS, CRESPPA-CSU, associée au CEE

Francesca QUERCIA, Post-doctorante, LaReSS (HETSL Lausanne, CH)/ Centre Max Weber de Lyon

Bibliographie

Aboudrar, B. N., & Mairesse, F. (2022). La Médiation culturelle (3e édition). Que sais-je.

Albenga, V. (2017). S’émanciper par la lecture. Genre, classe et usages sociaux du livre. Rennes (Presses universitaires de ).

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Bobo J. (1995). Black Women as Cultural Readers, New York, Columbia University Press.

Boyadjian, J. (2022). Jeunesses connectées : Les digital natives au prisme des inégalités socioculturelles. PU SEPTENTRION.

Bureau, M.-C., Perrenoud, M., & Shapiro, R. (dirs.) (2009), L’artiste pluriel, Démultiplier l’activité pour vivre de son art, Villeneuve d’Ascq, Presses universitaires du Septentrion.

Buscatto, M., Helbert, S., & Roharik, I. (2021). L’opéra, un monde professionnel hanté par les violences de genre. Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique, 22 (1), 49‑67.

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Gilliotte, Q. (2022). L’expérience culturelle en régime numérique. Explorer, ranger, consommer. (Presses des Mines).

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Grossetête, M. (2019). Quand la distinction se met au vert : Conversion écologique des modes de vie et démarcations sociales. Revue Française de Socio-Économie, 22(1), 85‑105. https://doi.org/10.3917/rfse.022.0085

Haut Conseil à l’Égalité entre les femmes et les hommes (2018). Inégalités entre les femmes et les hommes dans les arts et la culture. Acte II : après 10 ans de constats, le temps de l’action. http://bit.ly/2Gi3OGz

Jacquemart, A., Charpenel, M., Demonteil, M., Hatzipetrou-Andronikou, R., & Marry, C. (2022). Le genre des carrières. Inégalités dans l’administration culturelle. Ministère de la Culture – DEPS. https://doi.org/10.3917/deps.jacqu.2022.01

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Menger Pierre-Michel, 2005, Les intermittents du spectacle : sociologie d’une exception, Paris, Éd. de l’École des hautes études en sciences sociales.

Mille, M. (2024). Le travail de la fiction : Dans les coulisses d’une série télévisée (1er édition). PU VINCENNES.

Oakley, K., & Banks, M. (Éds.). (2021). Cultural Industries and the Environmental Crisis : New Approaches for Policy (1st ed. 2020 edition). Springer.

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Pasquier, D. (2018). L’internet des familles modestes : Enquête dans la France rurale. Presses des Mines, coll. « Sciences sociales ».

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Ravet, H. (2016). Cheffes d’orchestre, le temps des pionnières n’est pas révolu ! Travail, genre et sociétés, 35(1), 107‑125. https://doi.org/10.3917/tgs.035.0107

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Zabban, V., & Guittet, E. (2022). L’aiguille et l’écran. Techniques & Culture, 77. https://doi.org/10.4000/tc.17015

Programme (2023)

Le RT14 (sociologie des arts et de la culture) est fier de vous présenter son programme dans le cadre du Congrès de l’AFS qui se tiendra du 4 au 7 juillet à Lyon (bâtiment BEL, salle 211 pour les sessions générales). 

En plus de la session générale, vous pourrez également retrouver dans le programme les salles et horaires pour assister aux sessions croisées avec le RT11 (sociologie de la consommation et du numérique). 

Par ailleurs, si vous souhaitez nous rejoindre pour le prochain mandat (2 ans, 2023-2025), nous serions ravis de vous accueillir dans le cadre de l’AG du RT14 qui se tiendra vendredi 7 juillet, de 13h30 à 14h30. Les candidatures se font d’ordinaire directement sur place pendant la réunion. En tant que membre du bureau, vous pouvez participer au choix aux différentes activités du RT14.

Pour rappel, les activités du RT14 se structurent autour de trois types d’événement : 

1. La sélection et l’animation des sessions du RT durant le Congrès de l’AFS tous les deux ans

2. L’organisation d’un colloque (en général en partenariat avec un autre RT) tous les deux ans (en alternance avec le Congrès). Les trois derniers colloques étaient les suivants : 

  • Contours du travail et frontières des groupes professionnels dans les arts et la culture. En partenariat avec le RT1 “Savoirs, travail, professions”. 20 et 21 octobre 2022, Paris
  • Loisirs et styles de vie. En partenariat avec le RT11 “Sociologie de la consommation et du numérique”. 14 et 15 octobre 2021, Paris
  • Penser l’articulation des rapports sociaux de sexe, de classe et de race en sociologie des arts et de la culture. En partenariat avec le RT 24 “Sexe, classe, race : rapports sociaux et construction de l’altérité”. 15 et 16 novembre 2018, Paris

3. La mise en place des Rencontres du RT14, temps d’échange entre des auteurs d’ouvrages récents en sociologie de la culture prenant la forme d’une interview entre un membre du RT14 suivi d’un temps d’échange avec le public sur place. L’audio est ensuite mis à disposition sur la chaîne YouTube du RT14 sur lequel vous pouvez retrouver les 6 séances ayant eu lieu.

Séance 5 Rencontres du RT14 – V. Cicchelli et S. Octobre K-pop, soft power et culture globale – 9 mai 2023, 16h-18h en visio

La prochaine séance des Rencontres du RT14, aura lieu le 9 mai 2023, de 16h à 18h. Le séminaire se tiendra exceptionnellement en visioconférence.

Nous recevrons Vincenzo Cicchelli et Sylvie Octobre pour nous parler de leur ouvrage K-pop, soft power et culture globale

Séance 5 : 9 mai 2023, 16h-18h.

Invités : Vincenzo Cicchelli et Sylvie Octobre

K-pop, soft power et culture globale

animée par Clémence Perronnet

Le séminaire prend la forme d’un entretien avec le ou la chercheur-se invité-e (1h), suivie d’un moment d’échange avec le public (1h).

La séance est ouverte à toutes et à tous !

Voici le lien pour la connexion Zoom :

https://uvsq-fr.zoom.us/j/92446382266?pwd=WVdIVFBQUEl3Ym1RUUZjcDBGNUFvdz09
ID de réunion : 924 4638 2266
Code secret : 838335

Résumé : Qu’ont en commun le groupe de pop BTS et la série Squid Game ? Tous deux appartiennent à la nouvelle vague de produits culturels sud-coréens, connue sous le nom de Hallyu, qui déferle sur le monde et surprend par l’engouement qu’elle suscite.

Cet ouvrage, le premier en langue française consacré au sujet, montre comment cette pop culture, fruit de l’écosystème politique et économique sud-coréen, mise sur l’exportation massive de produits culturels à l’esthétique innovante. En s’appuyant sur ces leviers de soft power, la Corée du Sud promeut une globalisation culturelle alternative à l’hégémonie américaine et japonaise dans le domaine des imaginaires juvéniles.

À travers de nombreux entretiens, les deux auteurs analysent la ferveur des jeunes fans français, qui ne s’appuie sur aucune proximité culturelle préexistante, témoigne d’une nouvelle ouverture esthétique et les autorise à imaginer des ailleurs désirables, par-delà les assignations de genre, de classe ou d’origine.

Retrouver les vidéos de nos précédentes séances :
Séance 1 du 5 avril 2022 autour de l’ouvrage Culture de masse et société de classes. Le goût de l’altérité (2021) de P. Coulangeon : https://youtu.be/GofRHL6fBGk
Séance 2 du 7 juin 2022 autour de l’ouvrage Comment la culture vient aux enfants (2021) sous la direction de F. Eloy : https://youtu.be/BXIl4QHqCRc
Séance 3 du 11 octobre 2022 autour de l’ouvrage Le Rire, Enquête sur la plus socialisée de toutes nos émotions, de L. Flandrin. : https://youtu.be/WQ655XcxEQI

Par ailleurs, vous pouvez suivre l’actualité du RT14 sur les réseaux suivants :
Le Carnet Hypothèse du RT14 : https://rt14.hypotheses.org/
Le Twitter du RT14 : https://twitter.com/RT14_AFS
Le compte Youtube du RT14 : https://www.youtube.com/channel/UCi3kERlayefJOTL_V_w_Xvg

Appel à communication du RT14 pour le Congrès de l’AFS 2023 – Lyon du 4 au 7 juillet

Remise des propositions avant le 30 janvier 2023 directement sur le site de l’AFS

Dans la lignée de la thématique générale du Congrès 2023 de l’AFS, le réseau thématique 14 souhaite susciter une réflexion sur les enjeux de circulation et d’intersection dans la sociologie des arts et de la culture.
Les communications proposées devront veiller à penser l’étude des circulations (des biens, des valeurs, des positions sociales, etc.) en mettant en perspective les objets d’étude dans le temps et dans l’espace. Les circulations prennent forme dans des cadres matériels et situés ; les étudier impose d’observer les transformations et les déplacements, de pouvoir comparer les changements de situation et d’examiner également les acteurs et actrices, les intermédiaires, les formes, objets et les lieux de circulation.
Les communications attendues seront également attentives à la manière dont ces circulations s’inscrivent dans des rapports sociaux de genre, de race, de classe, d’âge et de génération, et comment leur imbrication produit des effets autres que la simple addition des inégalités (Delaporte et al., 2022).

Axe 1 – Biens symboliques et circulation des valeurs
En sociologie de la culture, la question de la valeur des biens culturels renvoie principalement à la question de la légitimité culturelle, notamment en discussion avec le modèle de la distinction élaboré par Pierre Bourdieu (1979). Selon ce modèle, les goûts et les pratiques culturelles sont le produit des rapports de classe et de stratégies de distinction et s’inscrivent dans une hiérarchie de légitimité leur associant une plus ou moins grande valeur symbolique et sociale. Ce modèle a fait l’objet de prolongements, de réactualisations et de critiques sur le fond (attribuer à certaines pratiques une valeur distinctive alors que celles-ci sont elles-mêmes minoritaires parmi les dominant·es), comme sur les méthodes mobilisées (critique de l’enquête par questionnaire) ou sur sa capacité à décrire le contexte actuel (le modèle décrivant la France des années 1960). De nombreux modèles ont vu le jour, tels que l’approche dispositionnaliste et contextualiste (Lahire, 2006), le modèle de l’omnivorisme culturel (Peterson, 2004), de l’éclectisme culturel (Coulangeon, 2011) ou encore celui de la tablature (Glevarec, 2005), certains cherchant à renouveler les formes de la distinction, d’autres à montrer la perte d’efficacité de l’angle de la domination pour comprendre les pratiques culturelles. Comment penser aujourd’hui les hiérarchies culturelles et la question des valeurs attribuées aux biens symboliques et aux pratiques culturelles ? Comment rendre compte des transformations et de la circulation de ces valeurs ? Alors que certains travaux montrent le rôle toujours structurant de l’école (Eloy, 2015) pour imposer un sens de la légitimité commun à l’ensemble de la population, d’autres insistent sur l’éclatement des régimes de valeurs. Néanmoins, les formes de production et d’appropriation des oeuvres apparaissent toujours socialement situées, à l’intersection de l’origine sociale, du genre (Albenga, 2017 ; Détrez, 2011), de l’âge (Octobre, 2014 ; Pasquier, 2005), de la race (Quemener, 2014), des générations, des sous-cultures… Comment la valeur des objets culturels et artistiques circule-t-elle, entre groupes sociaux ou professionnels, entre contextes nationaux, entre disciplines artistiques ? De quelle façon les différentes appropriations des biens symboliques circulent-elles et influent-elles sur la valeur de ces biens ?
La valeur des biens culturels ne fait pas consensus, elle est le fruit de négociations, de débats, de polémiques, permettant de légitimer certaines œuvres ou univers culturels (Hammou & Sonnette, 2020 ; Hommel, 2021 ; Roueff, 2003) et d’en délégitimer d’autres, avec pour conséquence d’étendre ou de restreindre le périmètre de certaines offres culturelles (Jeanpierre & Roueff, 2014 ; Picaud, 2015). Comment une œuvre kitsch devient-elle une œuvre culte ? Comment une œuvre populaire peut-elle devenir une œuvre légitime sur le long terme ? Ou au contraire, comment une œuvre peut-elle perdre de la valeur ?
Enfin la valeur attribuée aux biens culturels n’est pas que symbolique : les œuvres d’art comme les biens symboliques de grande diffusion s’échangent également sur des marchés, sur lesquels elles ont une valeur économique. Comme l’a montré Raymonde Moulin pour le marché de l’art, cette valeur économique n’est pas indépendante de la fixation de la valeur symbolique des œuvres, et repose sur un double principe d’incertitude liée à l’authenticité des œuvres mais aussi à la hiérarchie des valeurs esthétiques (Moulin, 1992). La fixation et circulation des valeurs esthétiques et économiques font intervenir à la fois les artistes – Svetlana Alpers (1991) montre ainsi comment Rembrandt impose les critères d’évaluation de sa propre peinture -, les collectionneurs et collectionneuses, mais aussi les intermédiaires que sont les marchand·es d’art et les galeristes (Quemin, 2021). Comment ces valeurs circulent-elles entre champs artistiques et économiques ? Qui contribue à ces circulations, et comment ?
Ces luttes de distinction et de négociation de la valeur des biens symboliques sont le produit des conflits et coopérations entre les différent·es professionnel·les des champs de production culturelle (Debonneville, 2021 ; Hammou, 2022) – producteurs et productrices, auteurs et autrices, créateurs et créatrices, etc. –  entre les intermédiaires (Béra, 2003 ; Cariou & Rochelandet, 2019) – critiques, journalistes, médiateurs et médiatrices culturel·les, etc. – mais également entre individus (Pasquier, 2014 ; Pasquier et al., 2014), créant des conflits entre les dispositions esthétiques des uns et des autres. Qui porte ces processus de légitimation ? De quels rapports de domination, au sein des espaces de production des biens symboliques, la production de la valeur est-elle le produit ?

Axe 2 – Les représentations qui circulent dans les biens culturels
À travers cet axe, nous souhaitons questionner la manière dont les arts et la culture se font le lieu de la circulation de représentations, qui y sont cristallisées et participent à reconduire ou à transformer le monde social. Il s’agit dans un premier temps d’interroger les représentations qui se donnent à voir dans les œuvres et les rapports de domination qui s’y dessinent (Macé, 2006 ; Saunier, 2012 ; Chalvon-Demersay, 2021), la dimension politique de ces représentations et leurs effets dans la constitution des identités (Hall, 2007 ; Cervulle, 2013) – notamment en donnant à voir des représentations non majoritaires (Quemener, 2014 ; Sonnette, 2015) –, ou encore le travail opéré sur les représentations par les producteurs et productrices.
Ici, la perspective intersectionnelle s’avère particulièrement fructueuse en ce qu’elle permet d’interroger l’articulation des rapports de domination à l’œuvre dans la création et leurs effets sur les représentations du monde qu’elle véhicule (Delaporte et al., 2022). Les propriétés sociales des producteurs et productrices et notamment des artistes qui incarnent les œuvres sont également porteuses de représentations, comme c’est le cas par exemple dans la danse, où l’imaginaire du corps blanc structure les représentations (Laillier, 2020 ; Debonneville, 2021) ou des séries TV, comme Déborah Gay (2020) le montre au sujet de l’agentivité des acteur·rices racisé·es qui influent sur les représentations de leurs personnages. Les langues de production et origines nationales influent également sur les identifications et représentations (Lecler, 2017 ; Spanu, 2019 ; Harchi, 2020), particulièrement en contexte postcolonial. Ainsi, les communications pourront notamment interroger la position des producteur·rices, leurs représentations et la manière dont ces dernières se donnent à voir dans leurs œuvres, qu’elles contribuent à perpétuer l’ordre dominant ou qu’elles participent à l’inverse à diversifier les représentations.
Les représentations qui circulent à travers les œuvres peuvent également faire l’objet d’un encadrement en amont de leur production – ce qu’on peut notamment observer à travers la question de leur financement (Mayenga, 2022) ou dans le recrutement des artistes (voir l’ensemble du n°65 d’Agone, Buscatto, Cordier & Laillier, 2021) –, et susciter un ensemble de réactions, institutionnelles, dans le cas du traitement judiciaire des polémiques sur le contenu des oeuvres, par exemple (Carinos Vasquez, 2022), ou artistiques, comme on le voit à travers les cas de vandalisme opéré sur les œuvres par des artistes (Bessette, 2021). Ce que les œuvres représentent, et la manière dont elles le font, joue également un grand rôle dans leur réception par les publics. Certains genres sont particulièrement associés à la notion d’authenticité – celle-ci renvoie en particulier à la justesse perçue par leurs publics de ces représentations et par un rapport « éthique » aux œuvres, à travers l’idée d’un réalisme social (pour le roman policier : Collovald & Neveu, 2013 ; pour le rap et le r’n’b : Eloy & Legon, 2020) ou d’un réalisme émotionnel notamment (pour le roman sentimental : Radway, 1984 ; pour le soap opera : Ang, 1985 ; Chedaleux, 2022), quand d’autres reposent à l’inverse sur la mise à distance du réel, permettant l’évasion ou l’expérience de pensée sur le mode conjecturel (pour la science-fiction et la fantasy : Hommel, 2021). Alors que plusieurs événements médiatiques ont mis en avant des réactions très contrastées face à la diversification culturelle de certaines représentations, quels sont les mécanismes qui influencent la réception de ces nouvelles représentations par les publics ? De même, quel rôle joue le statut, l’histoire, la position sociale des créateurs et créatrices dans la réception même des représentations mises en scène dans leurs productions ? Et par quels biais et quels agents ces représentations circulent-elles entre publics, artistes, intermédiaires et représentant·es des politiques culturelles ?

Axe 3 – Acteurs, actrices et institutions de la circulation de la culture
Cet axe propose de réunir des communications portant sur l’encadrement des circulations culturelles par les professionnel·les ainsi que par les institutions des arts et de la culture. En premier lieu, les propositions pourront porter sur la manière dont les intermédiaires du travail artistique (Lizé, Naudier & Roueff, 2011 ; Jeanpierre & Roueff, 2014) agissent sur les formes de circulation des biens culturels. Ces circulations peuvent être conceptualisées de différentes façons : entre disciplines ou champs artistiques, entre espaces politiques, économiques et culturels. Mais elles s’inscrivent également dans l’espace, entre contextes nationaux, aires linguistiques et contextes géographiques divers (Charle, 2010 ; Martin, 2011 ; Sapiro, 2012 ; Saunier, 2004 ; Werner & Zimmermann, 2003). Dès lors, comment et entre quels espaces se font ces circulations ? Qui sont les acteurs et actrices de ces transferts ? On pourra notamment évaluer les différentes échelles de ces circulations, qui peuvent être locales (Dubois, 2012), nationales, ou encore relever des espaces transnationaux identifiés par la recherche sur les mobilités artistiques (Despres, 2016), qui ont amené récemment au développement de la notion de translocalité (Navarro, 2019).
Il peut s’agir également de s’intéresser aux producteurs et productrices et à leur rôle dans les circulations des biens culturels. Si les institutions culturelles et artistiques, par exemple, sont typiquement envisagées comme les lieux de la production des œuvres (Esquenazi, 2007), leur contribution à la mise en circulation des productions doit aussi être évalué, par le biais de l’accueil, du financement, de la diffusion ou de la mise en collection et en répertoire (Becker & Faulkner, 2011) des biens culturels. Comment les acteurs et actrices de la médiation et de la prescription culturelle mettent en place des dispositifs de jugement (Karpik, 2007) qui influent sur la diffusion des œuvres ? Comment saisir les points de rencontre, les dissonances et les malentendus entre, d’une part, celles et ceux qui produisent les objets culturels, et, d’autre part, celles et ceux qui les mettent en circulation ? Quels effets ont ces circulations sur les biens symboliques et les contextes de production et de réception ?
Au sein de ces processus de mise en circulation, on pourra s’intéresser à la circulation et à la multipositionnalité (Boltanski, 1973) des acteurs et actrices : qu’en est-il des producteurs et productrices qui s’engagent dans la circulation de leurs œuvres, par exemple ? Comment envisager enfin les circulations entre le travail et tout ce qui relève du « hors travail » dans les arts et la culture, les pratiques individuelles et les contraintes domestiques étant susceptibles de rejaillir de manière variée (et différente selon les propriétés sociales) sur les pratiques professionnelles ?

Axe 4 – Plateformisation de la production et de la consommation artistique et culturelle
Session croisée avec le RT11 – Sociologie de la consommation et du numérique. Les propositions pour cet axe doivent être mises en ligne sur l’appel dédié sur le site de l’AFS.

Cette session croisée entre le RT 14 « Sociologie des arts et de la culture » et le RT 11 « Sociologie de la consommation et des usages du numérique » propose d’informer, d’interroger, d’analyser et de décrire les enjeux liés à l’essor des plateformes dans le cadre spécifique de la production et de la consommation culturelle et artistique (Poell, Nieborg & Duffy, 2022). Ces plateformes se caractérisent en particulier sur un plan économique par leur centralité au sein de marchés multi-faces (Jean Tirole, 2016), en servant notamment d’intermédiaires entre différentes partie-prenantes (producteur·ices, distributeur·ices, consommateur·ices, etc.), et sur un plan socio-technique par la dimension computationnelle de leur activité et la place du code dans leur fonctionnement, articulant des innovations techniques (algorithmes de recommandation, IA, etc.), marchandes (notes et avis, financement participatif, NFT, etc.) et médiatiques (réseaux sociaux, participation en ligne, personnalisation de l’offre, etc.). Ce modèle s’étendant à de très nombreux secteurs d’activité, on parle généralement d’un phénomène de « plateformisation » (Beuscart & Flichy, 2018). Loin d’être homogènes, les transformations induites par ces plateformes doivent être étudiées en contexte, en raison de leur caractère extrêmement contingent. En fonction des secteurs, des acteurs et actrices, des échelles, des temporalités, des cadres légaux nationaux (Bellon, 2016), on observe différentes lignes de tension qui méritent d’être approfondies.
Trois enjeux paraissent particulièrement saillants. Un premier enjeu en amont des plateformes interroge la relation de ces dernières avec les producteurs et productrices, et plus spécifiquement les effets potentiels de désintermédiation et de réintermédiation (Campion, 2021 ; Thuillas & Wiart, 2019 ; Wiart, 2021), voyant notamment une circulation des positions des acteurs et actrices traditionnel·les (maisons de disque, producteurs de contenus audiovisuels, grands médias, etc.), et la transformation des rapports de force dans la production des contenus. Comment par exemple les plateformes vidéo comme Netflix deviennent des actrices majeures de la production de films et de séries? Imposent-elles des normes différentes de celles des sociétés de production traditionnelles ? Comment la production de contenus culturels et artistiques sur YouTube vient interroger celle des médias traditionnels ? De quelle façon les intermédiaires circulent entre ces plateformes et d’autres lieux de production plus “traditionnels” et de quelle façon cela vient-il également transformer les pratiques ?
Un deuxième enjeu porte sur les activités mêmes des usager·es. Les plateformes permettent à certain·e·s d’entre elles et eux de circuler entre des positions de producteur·ices et de consommateur·ices  (Dupuy-Salle, 2014 ; Flichy, 2010). Nombre de plateformes accordent de surcroît une place prépondérante à la participation des consommateur·rices, à l’image par exemple de la critique en ligne (Pasquier et al., 2014). Les communications pourront dès lors interroger la porosité de ces frontières et observer ce qu’elle produit : comment les rôles de producteur·ice et de consommateur·ice se distribuent-ils sur ces plateformes ? Comment rendre compte de ces interactions entre plateformes et usager·es ? On peut aussi s’interroger sur la manière dont les propriétés sociales des consommateur·ices de ces plateformes influencent les usages qui en sont faits et les contenus qui y sont mis en circulation.
Un dernier enjeu concerne l’interaction entre les plateformes et les consommateur·ices, interrogeant notamment le poids des infrastructures techniques et marchandes sur les pratiques culturelles. Les dispositifs produisent des effets en tant que tels (Akrich, 2010), notamment parce qu’ils rendent visibles certains biens au détriment d’autres, parce qu’ils peuvent favoriser ou non une diversité des consommations culturelles (Beuscart et al., 2019), qu’ils permettent d’accélérer la circulation de certains biens, et rendent possible la personnalisation de l’offre, notamment par le recours à des algorithmes de recommandation (Eriksson & Johansson, 2017). Néanmoins, certaines recherches appellent à relativiser le poids de ces dispositifs techniques dans les pratiques des usager·es (Beuscart, Coavoux & Maillard., 2019).  Comment sont pensés ces dispositifs par les concepteurs et conceptrices de ces plateformes et comment circulent-ils entre secteurs (artistiques ou autres) ? Comment les biens culturels sont-ils classés, catégorisés par ces plateformes, et comment ces catégories évoluent-elles ? Comment les biens culturels sont-ils appairés aux consommateur·ices ? De façon transversale à ces trois enjeux, les propositions qui s’intéresseront plus spécifiquement à la façon dont le genre, la classe, la race interagissent avec la plateformisation de la culture feront l’objet d’une attention particulière.

Axe 5 – Les usages profanes et professionnels de la sociologie de la culture
Un dernier axe appelle à réfléchir aux façons dont les savoirs et méthodes de la sociologie des art la culture circulent et se diffusent, à la croisée de deux phénomènes : la professionnalisation des mondes de la culture, liée en partie à l’essor d’une logique économiciste appelant des profils en mesure de mener des études qualitatives, quantitatives, et à conseiller les institutions culturelles ; et la précarisation du monde de la recherche qui pousse les personnes diplômées en SHS à trouver d’autres débouchés que la recherche.
La sociologie des arts et de la culture est en effet  liée depuis ses débuts à la commande publique et à l’évaluation de programmes de démocratisation culturelle (Deslyper, Eloy & Picaud, 2022). Les enquêtes fondatrices de la discipline ont été le produit de commandes publiques et de nombreuses enquêtes en sociologie de la culture sont financées par des institutions culturelles ou par des structures privées, notamment dans des perspectives d’évaluation des politiques culturelles à la suite du « tournant gestionnaire » (Dubois, 2012) des années 1980. Mesure de la diversité des publics, capacité à atteindre les milieux populaires, création d’indicateurs de rentabilité à partir de méthodes d’enquête qualitatives et quantitatives… Les concepts et résultats des recherches en sociologie des arts et de la culture se sont ainsi diffusés dans l’espace public et sont maniés par les acteurs et actrices institutionnel·les, responsables d’établissements culturels, médiateurs et médiatrices, professionnel·les du marketing, auto-entrepreneur·euses… On observe également la circulation de recherches en sciences sociales et de leurs méthodologies dans des espaces politiques, qui peuvent également faire appel à des chercheur·es afin de contribuer à la visibilisation et la reconnaissance de phénomènes, par exemple au sujet des discriminations genrées ou raciales. Comment et par qui circulent ces concepts et ces savoirs ? Comment ces professionnel·les se réapproprient les résultats des travaux de recherche ? Quel rôle la sociologie de la culture joue-t-elle désormais dans les évaluations des politiques culturelles : en observe-t-on réellement des effets ? Dans quelle mesure la sociologie vient-elle alimenter les ressources théoriques et méthodologiques de ces professionnel·les des politiques culturelles ? A l’inverse, comment la sociologie est-elle mobilisée par des groupes cherchant à transformer les politiques culturelles ou les modes de fonctionnement des champs artistiques ?
En parallèle, la baisse des moyens de la recherche publique et  la raréfaction des postes pérennes a accru le poids des commanditaires dans ce champ de recherche, avec le développement de postes à la croisée du monde académique et des institutions culturelles ou encore l’accroissement des postes précaires dépendants de ces commandes. De plus,  la tradition critique de la sociologie de la culture peut sembler contradictoire avec le développement de divers instituts et cabinets dont l’apparition a été analysée comme une façon d’externaliser le risque, de déplacer la responsabilité sur des entreprises servant de fusible et de légitimer la prise de décision des cadres en interne. Ainsi, les institutions culturelles ont pu être déçues par les constats répétés d’échec de la démocratisation culturelle dans les rapports produits par les sociologues, ce qui pose la question de la production de savoirs prise dans un rapport marchand. Quelles conséquences ces modes de financement ont-ils sur les enquêtes menées en sociologie et les résultats produits ? La sociologie a-t-elle alors été en concurrence avec d’autres disciplines pour produire ces évaluations ? Comment les commanditaires s’approprient-ils et elles ou non les concepts sociologiques utilisés, les données produites ? Quels usages en font-ils et elles ? Et de quelle façon la réalisation de ces enquêtes influe-t-elle sur les carrières des sociologues dans leur propre milieu professionnel ?

Varia
Les personnes qui souhaitent communiquer sont invitées à privilégier les propositions qui s’inscrivent dans les axes précédents, issus du thème général du congrès. Cependant, ces axes ne sont pas exhaustifs. En effet, le RT14 entend représenter l’actualité de la sociologie des arts et de la culture dans sa globalité. Il est donc ouvert à toutes les propositions de communication présentant des recherches inscrites dans ce champ.

Modalités de soumission des propositions

Structure de la proposition à envoyer
La proposition comportera entre 3000 et 5000 signes (espaces compris, hors bibliographie, 5 références maximum), et devra impérativement contenir les éléments suivants :

  • une présentation claire du contexte, de la question de recherche et du cadre théorique ;
  • une présentation de la méthodologie et des données employées (en chiffrant précisément, en explicitant les techniques mobilisées) ;
  • une esquisse des principaux résultats (ou des hypothèses si le terrain est en cours).

En plus de la proposition, vous veillerez à fournir également un résumé (entre 500 et 800 caractères) de la communication qui sera notamment publiée sur le programme.

Informations attendues

  • Noms de(s) auteur·e(s),
  • Statut,
  • Rattachement,
  • Adresse électronique,
  • Axe,
  • Titre de la communication,
  • Résumé,
  • Mots-clés.

Dépôt des propositions
Les réponses à l’appel à communications sont à déposer exclusivement au moyen du formulaire dédié directement sur le site de l’AFS.
Pour tous les axes sauf le n°4, vous devez déposer vos propositions sur la page suivante :
https://afs-socio.fr/appel-a-communication/4399/appel-a-communication-rt14-congres-afs-2023-lyon/
Pour les propositions concernant la session croisée RT11-RT14 (plateformisation de la production et de la consommation artistique et culturelle ) vous devez déposer vos propositions sur le lien suivant :
https://afs-socio.fr/appel-a-communication/4405/appel-a-communication-session-croisee-rt11-rt14-plateformisation-de-la-production-et-de-la-consommation-artistique-et-culturelle-congres-afs-2023/
Les propositions envoyées par d’autres moyens que les formulaires dédiées sur le site de l’AFS ne seront pas prises en considération.

Évaluation des propositions
Les propositions reçues par le Comité Scientifique des sessions du RT14 seront anonymisées et distribuées à deux relecteurs et relectrices en charge de sélectionner les propositions à partir d’une grille commune, évaluant notamment la clarté et l’originalité de la question de recherche, la rigueur et la pertinence de la méthodologie, et l’intérêt des premiers résultats esquissés (ou à défaut la qualité des hypothèses formulées).

Calendrier
31/01 : date limite pour l’envoi des propositions de communication
avant fin-février : Communication du résultat de la sélection après évaluation anonyme par deux membres du comité scientifique
26/06 : date limite pour l’envoi des textes supports des interventions (15 minutes), pour transmission aux discutant·es
Du mardi 4 juillet au vendredi 7 juillet : tenue du Congrès à Lyon

Format des communications
Les communications se feront par plage de 30 minutes, avec 15 minutes de présentation et 15 minutes d’échange avec le public.
Il est attendu des communicants et communicantes d’articuler autant que possible leur présentation de la façon suivante :

  • une présentation claire du contexte, de la question de recherche et du du cadre théorique ;
  • une présentation de la méthodologie et des données employées (en chiffrant précisément, en explicitant les techniques mobilisées) ;
  • une présentation des principaux résultats, en n’oubliant pas de mobiliser des matériaux d’enquête.

Les personnes retenues pour communiquer durant le Congrès devront également veiller à favoriser les discussions entre les communications (notamment au sein d’une même session). Il sera également attendu qu’elles communiquent leur présentation en amont du Congrès.

Informations importantes
Pour rappel, la participation au Congrès de l’AFS est soumise au règlement des frais d’adhésion à l’association et des frais d’inscription au Congrès auxquels aucun intervenant ne peut déroger. De plus, l’AFS ne prend pas en charge les frais de transport, ni les frais d’hébergement. Il convient donc que les candidats fassent une demande de financement auprès de leurs institutions de rattachement.

Comité d’organisation
Le comité d’organisation est composé des membres suivants :

Laura CAPPELLE, Docteure, chercheuse associée, CERLIS
Clément COMBES, Postdoc, ERC DEMOSERIES, Université Paris 1, associé au CERLIS
Quentin GILLIOTTE, Professeur Junior, Université Paris-Panthéon-ASSAS, CARISM
Anna MESCLON, Doctorante, Université de Nantes, CENS
Muriel MILLE, MCF, Université Versailles St-Quentin-en-Yvelines, PRINTEMPS
Clémence PERRONNET, Chercheuse, Agence Phare
Bianca REIS MARETTI, Doctorante contractuelle, Sorbonne Université, IReMus

Comité scientifique

Le comité scientifique est composé de l’ensemble des membres du bureau du RT14 :

Anne BESSETTE, ATER, CERLIS
Marlène BOUVET, Doctorante, ENS Lyon
Laura CAPPELLE, Docteure, chercheuse associée, CERLIS
Clément COMBES, Postdoc, ERC DEMOSERIES, Université Paris 1, associé au CERLIS
Quentin GILLIOTTE, Professeur Junior, Université Paris-Panthéon-ASSAS, CARISM
Emmanuelle GUITTET, Maîtresse de Conférences, Université Sorbonne Nouvelle, CERLIS
Elodie HOMMEL, PRCE, Université Paul Valéry Montpellier 3 / Centre Max Weber
Anna MESCLON, Doctorante, Université de Nantes, CENS
Muriel MILLE, MCF, Université Versailles St-Quentin-en-Yvelines, PRINTEMPS
Maylis NOUVELLON, Chercheuse indépendante, Voix/Publics
Clémence PERRONNET, Chercheuse, Agence Phare
Myrtille PICAUD, Chargée de recherches CNRS en sociologie, CRESPPA-CSU, associée au CEE
Francesca QUERCIA, Postdoc, LaReSS (HETSL Lausanne, CH)/ Centre Max Weber
Bianca REIS MARETTI, Doctorante contractuelle, Sorbonne Université, IReMus

Bibliographie

Akrich Madeleine (2010), « Comment décrire les objets techniques ? » Techniques & Culture. Revue semestrielle d’anthropologie des techniques, 54‑55, pp.205‑219 .
Albenga Viviane (2017), S’émanciper par la lecture. Genre, classe et usages sociaux du livre, Rennes, Presses universitaires de Rennes.
Alpers Svetlana (1991) [1988], L’atelier de Rembrandt. La liberté, la peinture et l’argent (trad. par J.-F. Sené), Paris, Gallimard.
Ang Ien (1985), Watching Dallas. Soap Opera and the melodramatic Imagination, Londres, Methuen.
Becker Howard S. & Faulkner Robert (2011), Qu’est-ce qu’on joue, maintenant ? Le répertoire de jazz en action, Paris, La Découverte.
Bellon Anne (2016), « La politique de concurrence au secours de l’exception culturelle. L’arrivée de Netflix en France depuis le ministère de la Culture », Gouvernement et action publique, 5, n°4, pp. 119‑140.
Béra Matthieu (2003), « Critique d’art et/ou promotion culturelle ? », Réseaux, vol. no 117, n°1, pp. 153-187.
Bessette Anne (2021), Du vandalisme d’œuvres d’art. Destructions, dégradations et interventions dans les musées en Europe et en Amérique du Nord depuis 1970, L’Harmattan, collection Prix scientifique.
Beuscart Jean-Samuel et Flichy Patrice (2018), « Plateformes numériques », Réseaux, 212(6), pp. 9‑22.
Beuscart Jean-Samuel, Coavoux Samuel et Maillard Sisley (2019), « Les algorithmes de recommandation musicale et l’autonomie de l’auditeur. Analyse des écoutes d’un panel d’utilisateurs de streaming », Réseaux, 213, n°1, pp. 17-47.
Boltanski Luc (1973) « L’espace positionnel : multiplicité des positions institutionnelles et habitus de classe », Revue Française de Sociologie, 14, pp. 3‑26.
Bourdieu Pierre (1979), La Distinction. Critique sociale du jugement, Paris, Minuit.
Buscatto Marie, Cordier Marine, Laillier Joël (coord.) (2021), Agone, numéro 65: « Sous le talent : la classe, le genre, la race ».
Campion Benjamin (2021), « Quand une plateforme prétend inventer la télévision d’hier : « Direct » de Netflix », Effeuillage, 10(1), pp. 50‑53.
Carinos Vasquez Emmanuelle (2022), « Le rap au prétoire : luttes politico-judiciaires autour de deux clips (Jo le Phéno et Nick Conrad) », Biens Symboliques / Symbolic Goods, 10.
Cariou Christophe et Rochelandet Fabrice (2019), « La critique sous influence ? Sélection et évaluation des films par les médias », Réseaux, 217, n°5, pp. 113-149.
Cervulle Maxime (2013), « L’écran blanc. Les publics et la question de la diversité », in Laurent Sylvie & Leclère Thierry (dir.). De quelle couleur sont les blancs ? Des « petits Blancs » des colonies au « racisme anti-Blancs », Paris, La Découverte, pp. 178-185.
Chalvon-Demersay Sabine (2021), Le troisième souffle. Parentés et sexualités dans les adaptations télévisées, Paris, Presses des Mines.
Charle Christophe (2010), « Comparaisons et transferts en histoire culturelle de l’Europe. Quelques réflexions à propos de recherches récentes », Les cahiers Irice, 1, pp. 51‑73.
Chedaleux Delphine (2022), Du savon et des larmes. Le soap opera, une subculture féminine, Paris, Amsterdam éditions.
Collovald Annie et Neveu Erik (2013), Lire le noir : Enquête sur les lecteurs de récits policiers, Rennes, Presses universitaires de Rennes.
Coulangeon Philippe (2011), Les métamorphoses de la distinction. Inégalités culturelles dans la France d’aujourd’hui, Paris, Grasset.
Debonneville Julien (2021), « Au nom de l’harmonie ». L’imaginaire de la blanchité dans le champ de la danse contemporaine », Biens Symboliques / Symbolic Goods [En ligne], 9.
Delaporte Chloé, Flores Espínola Artemisa, Guittet Emmanuelle, Harchi Kaoutar, Sonnette-Manouguian Marie et Talbot Cécile (2022), « Pour une approche intersectionnelle en sociologie des arts et de la culture », Biens Symboliques / Symbolic Goods [En ligne], 10.
Deslyper Rémi, Eloy Florence et  Picaud Myrtille (2022), « Cuisine (sociologique) et dépendances. Contraintes et marges de manœuvre dans le cadre de deux enquêtes commanditées », Genèses, 127, n°2, 2022, pp. 129-144.
Despres Altaïr (2016), Se faire contemporain: les danseurs africains à l’épreuve de la mondialisation culturelle, Paris, Publications de la Sorbonne.
Détrez, Christine (2011), « Des shonens pour les garçons, des shojos pour les filles ? Apprendre son genre en lisant des mangas », Réseaux, vol. 168-169, no. 4-5, pp. 165-186.
Dubois Vincent (dir.) (2012), Le politique, l’artiste et le gestionnaire : (re)configurations locales et (dé)politisation de la culture, Bellecombe-en-Bauges, Éd. du Croquant.
Dupuy-Salle Manuel (2014), « Les cinéphiles-blogueurs amateurs face aux stratégies de captation professionnelles : Entre dépendance et indépendance », Réseaux, 183(1), pp.65‑91.
Eloy Florence (2015), Enseigner la musique au collège. Cultures juvéniles et culture scolaire, Paris, PUF.
Eloy Florence et Legon Tomas (2020), « Les formes de distinction parmi les jeunes auditeurs de rap et de r‘n’b : d’une sociologie de la consommation à une sociologie de la réception ». Volume !, no 17(2), pp.167‑83.
Eriksson Maria et Johansson Anna (2017), «Tracking gendered streams », Culture Unbound, 9, pp.163‑183.
Esquenazi Jean-Pierre (2007), Sociologie des œuvres : de la production à l’interprétation. Paris, A. Colin.
Flichy Patrice (2010), Le Sacre de l’amateur. Sociologie des passions ordinaires à l’ère numérique, Le Seuil.
Gay, Déborah (2020), La représentation de l’autre. Enquête sur les conditions de production de personnages racisés dans une websérie LGBT. Réseaux, 223(5), 107‑128.
Glevarec Hervé (2005), « La fin du modèle classique de la légitimité culturelle. Hétérogénéisation des ordres de légitimité et régime contemporain de justice culturelle. L’exemple du champ musical », in Maigret E., Macé E. (eds), Penser les médiacultures. Nouvelles pratiques et nouvelles approches de la représentation du monde, Paris, Colin/INA, pp. 69-102.
Hall Stuart (2007), Identités et cultures : politiques des cultural studies. Articles réunis par Maxime Cervulle, traduit de l’anglais par C. Jacquet. Paris, Éditions Amsterdam.
Hammou Karim (2022), « J’suis une femme d’affaires / viens m’faire le café». L’articulation des rapports de pouvoir dans la mobilité sociale des rappeuses françaises des années 1990”, Biens Symboliques / Symbolic Goods [En ligne], 10.
Hammou Karim et Sonnette Marie (2020), «Mesurer les processus d’(il)légitimation des musiques hip-hop en France », Volume !, n°17(2) : 99-127.
Harchi Kaoutar (2020), « Des rapports de pouvoir à l’œuvre. La consécration littéraire des écrivains algériens de langue française, en France », Sociétés contemporaines, 1, n°117, pp. 127‑152.
Hommel Elodie (2021), « Lectures légitimes, lectures illégitimes », Biens Symboliques / Symbolic Goods [En ligne], 8.
Jeanpierre Laurent et Roueff Olivier (dir.) (2014), La culture et ses intermédiaires. Dans les arts, le numérique et les industries créatives, Paris, Archives contemporaines.
Karpik Lucien (2007), L’économie des singularités, Paris, Gallimard.
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Lecler Romain (2017),  « Une diversité sur mesure. Les conditions d’existence d’un cinéma du “Sud” », Sociologie, 8, n°2, pp. 139‑160.
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Macé Eric (2006), La société et son double. Une journée ordinaire de télévision française, Paris, Armand Colin/INA.
Martin Laurent (2011), « Contribution à l’étude des circulations culturelles transnationales », Histoire@Politique, 15, n°3, pp. 1.
Mayenga Evélia (2022), « Qui représente la « diversité » ? Les conditions sociales et professionnelles de l’accès à une aide publique dans le secteur audiovisuel français », Biens Symboliques /Symbolic Goods, 10.
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Moulin Raymonde (1992), L’artiste, l’institution et le marché, Paris, Flammarion.
Navarro Cécile (2019), “Ce n’est pas le hip-hop qui nous fait voyager, c’est nous qui faisons voyager le hip-hop” : Représentations et pratiques d’(im)mobilités au sein d’une scène musicale translocale au Sénégal, Thèse soutenue à l’Université de Lausanne.
Octobre Sylvie (2014), Deux pouces et des neurones. Les cultures juvéniles de l’ère médiatique à l’ère numérique. Ministère de la Culture – DEPS.
Pasquier Dominique (2005), Cultures lycéennes. La tyrannie de la majorité, Autrement.
Pasquier Dominique (2014), « Les jugements profanes en ligne sous le regard des sciences sociales », Réseaux, vol. 183, n°1, pp. 9-25.
Pasquier Dominique, Beaudouin Valérie, et Legon Tomas (2014), Moi, je lui donne 5/5 : Paradoxes de la critique amateur en ligne, Presses de l’Ecole des mines.
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Poell Thomas, Nieborg David B., Duffy Brooke Erin (2022), Platforms and cultural production, Cambridge, UK : Polity Press.
Quemener Nelly (2014), Le pouvoir de l’humour. Politiques des représentations dans les médias en France, Paris, Armand Colin.
Quemin Alain (2021), Le monde des galeries. Art contemporain, structure du marché et internationalisation, Paris, CNRS Editions.
Radway Janice (1991) [1984], Reading the Romance. Women, Patriarchy and Popular Literature, Chapel Hill, University of North Carolina Press.
Roueff Olivier (2003), « 16. De la légitimité du jazz », in Olivier Donnat éd., Le(s) public(s) de la culture. Politiques publiques et équipements culturels, Presses de Sciences Po, pp. 319-341.
Sapiro Gisèle (2012), « Comparaison et échanges culturels. Le cas des traductions », dans Remaud O., Schaub J.-F., Thireau I. (dirs.), Faire des sciences sociales. Comparer, Paris, Éditions de l’EHESS, pp. 193‑221.
Saunier Emilie (2012), « La mise en scène des personnages féminins dans les œuvres d’Amélie Nothomb, ou comment travailler son corps par l’écriture », Sociologie de l’Art, 20, n°2, pp. 55-74.
Saunier Pierre-Yves (2004), « Circulations, connexions et espaces transnationaux », Genèses, 4, pp. 110‑126.
Sonnette-Manouguian Marie (2015), « Des mises en scène du « nous » contre le « eux » dans le rap français. De la critique de la domination postcoloniale à une possible critique de la domination de classe », Sociologie de l’Art, 23/24, n°1-2, pp. 153-177.
Spanu Michael (2019), « Pour une approche critique de la diversité des langues chantées dans les musiques populaires à l’ère de la mondialisation numérique », Questions de communication, 1, n°35, pp. 281‑303.
Thuillas Olivier et Wiart Louis (2019), « Les plateformes de VOD cinéphiliques : Des stratégies de niche en questions », Les Enjeux de l’information et de la communication, 20/1(1), pp.39‑55.
Tirole Jean (2016), Économie du bien commun, Paris, PUF.
Wiart Louis (2021), « L’industrie cinématographique au temps de la crise sanitaire : Entre fragilisation des salles de cinéma et dynamique de plateformisation », Effeuillage, 10(1), pp. 44‑49.
Werner Michael, Zimmermann Bénédicte (2011), « Penser l’histoire croisée : entre empirie et réflexivité », Annales. Histoire, Sciences Sociales, 1, pp. 7‑36.

Mise en ligne de la deuxième séance des Rencontres du RT14 – F. Eloy & T. Legon, Comment la culture vient aux enfants

Le RT14 (Sociologie de l’art et de la culture) de l’AFS est fier de vous présenter les Rencontres du RT14, un nouveau séminaire consacré à l’actualité de la recherche en sociologie des arts et de la culture. Le séminaire prend la forme d’un entretien avec le ou la chercheur-se invité-e (1h), suivie d’un moment d’échange avec le public (1h).

La deuxième séance a eu lieu le 7 juin 2022, 16h-18h à l’amphithéâtre de la MSH Paris Nord (20 Av. George Sand, 93210 Saint-Denis).

Invité : Florence Eloy et Tomas Legon, autour de l’ouvrage “Comment la culture vient aux enfants : repenser les médiations” (2021).

La session est animée par Elodie Hommel et Clémence Perronnet.

Séance 3 des Rencontres du RT14 | Invitée : Laure Flandrin- 11 octobre 2022

Le RT14 (Sociologie de l’art et de la culture) de l’AFS est fier de vous présenter la deuxième séance des Rencontres du RT14, un séminaire consacré à l’actualité de la recherche en sociologie des arts et de la culture. 
Le séminaire prend la forme d’un entretien avec le ou la chercheur-se invité-e (1h), suivie d’un moment d’échange avec le public (1h). Le séminaire sera disponible ensuite à la réécoute en ligne, notamment sur la chaîne Youtube du RT14.

Séance 3 : 11 octobre 2022, 16h-18h.


Invité.e.s : Laure Flandrin

autour de l’ouvrage

Le rire
Enquête sur la plus socialisée de toutes nos émotions (2021)

animée par Laura Cappelle
A l’auditorium de la MSH Paris Nord (20 Av. George Sand, 93210 Saint-Denis)


Merci de vous inscrire en remplissant ce formulaire
https://forms.gle/fpwN7djZDxTmdHkEA

Résumé de l’ouvrage : Le rire est un signe anthropologique qui semble relever d’un universalisme évident. Mais pourquoi rions-nous ? En quoi les mécanismes du rire sont-ils susceptibles d’être éclairés par les sciences sociales ? Longtemps chasse gardée de certaines disciplines (théologie, philosophie, littérature, psychanalyse), le rire s’est désormais ouvert à la sociologie et fait ici l’objet d’une enquête sur la réception des arts comiques conduite à hauteur de rieur.
Qu’exprimons-nous de nous-mêmes, de nos expériences sociales, de nos relations aux autres et de nos opinions culturelles dans la déflagration instantanée du rire ? Ce livre propose d’explorer les expériences fondamentales du monde social qui nous constituent comme rieurs (l’apprentissage de la bipédie et du maintien corporel, l’ajustement au milieu technique, l’affectation par les pouvoirs, le passage des frontières sociales, etc.) et ambitionne de poser un cadre général de compréhension du rire. Ce dernier apparaît ainsi à la fois comme une manière de reconnaître des expériences du passé sur un mode auto parodique, un acte identitaire de catégorisation qui prend appui sur les fractures les plus dures du monde social, et une stratégie de distinction culturelle à l’intérieur du domaine comique où tout ne se vaut pas.

Mise en ligne des séances précédentes :

Vous pouvez retrouver les précédentes séances des Rencontres du RT14 sur notre chaîne YouTube :


Séance 1 du 5 avril 2022 autour de l’ouvrage Culture de masse et société de classes. Le goût de l’altérité (2021) de P. Coulangeon : https://youtu.be/GofRHL6fBGk

Séance 2 du 7 juin 2022 autour de l’ouvrage Comment la culture vient aux enfants (2021) sous la direction de F. Eloy : https://youtu.be/BXIl4QHqCRc


Retrouvez nous également sur notre compte Twitter.


Le comité d’organisation des Rencontres du RT14Laura Cappelle, Quentin Gilliotte, Muriel Mille & Maylis Nouvellon

Séance 2 des Rencontres du RT14 | Invité.e.s : Florence Eloy et Tomas Legon- 7 juin 2022

Le RT14 (Sociologie de l’art et de la culture) de l’AFS est fier de vous présenter la deuxième séance des Rencontres du RT14, un séminaire consacré à l’actualité de la recherche en sociologie des arts et de la culture. 
Le séminaire prend la forme d’un entretien avec le ou la chercheur-se invité-e (1h), suivie d’un moment d’échange avec le public (1h). Le séminaire sera disponible ensuite à la réécoute en ligne, notamment sur la chaîne Youtube du RT14.

Séance 2 : 7 juin 2022, 16h-18h.
Invité.e.s : Florence Eloy
& Tomas Legon
autour de l’ouvrage collectif
“Comment la culture vient aux enfants : repenser les médiation” (2022)
Sous la direction de Florence Eloy : Stéphane Bonnéry, Samuel Coavoux, Rémi Deslyper, Frédérique Giraud, Tomas Legon,  Muriel Mille et Véronique Soulé


animée par Elodie Hommel et Clémence Perronnet
A l’amphithéâtre de la MSH Paris Nord (20 Av. George Sand, 93210 Saint-Denis)
Merci de vous inscrire en remplissant ce formulaire
https://forms.gle/NCaQtL7tt2F4hwxh6

Résumé de l’ouvrage : 

Comment la culture vient-elle aux enfants ? Les discours sur la transmission culturelle relèvent souvent de deux registres antagonistes. Les enfants sont tantôt dépeints comme les victimes des industries culturelles, supposées à l’origine d’une aliénation d’autant plus grande que le jeune âge de ce public le priverait de défenses cognitives, tantôt comme des consommateurs de biens culturels autonomes et libres. À l’ère numérique, cette polarisation des discours est plus forte que jamais.

Pour ouvrir le débat, cet ouvrage s’intéresse aux nombreux processus de médiation qui s’exercent tout au long de la chaîne allant des producteurs culturels jusqu’aux enfants. Pour mieux les identifier, il prend le parti de faire dialoguer des offres culturelles très différentes, de la série télévisée à succès à l’édition jeunesse en passant par les musées, les théâtres pour jeune public, les orchestres d’enfants et les actions des cinémas art et essai.
L’enquête souligne que ces processus de médiation dépassent largement le champ de la médiation culturelle institutionnelle et existent également au sein des industries culturelles ainsi que dans les familles et les groupes de pairs. Elle révèle en outre les réappropriations et ajustements permanents que les enfants effectuent par rapport aux cadrages qui leur sont proposés par les différents médiateurs.  Ce faisant, elle questionne la pertinence de frontières considérées parfois comme infranchissables, notamment entre champs marchand et non marchand, pour mettre en perspective le processus de médiation qui se produit dans tous les cas.

Mise en ligne de l’enregistrement de la première séance :

L’enregistrement de la première séance du 5 avril 2022 autour de l’ouvrage Culture de masse et société de classes. Le goût de l’altérité (2021) de P. Coulangeon est disponible sur le compte YouTube du RT14 à l’adresse suivante : https://youtu.be/GofRHL6fBGk

Le comité d’organisation des Rencontres du RT14

Laura Cappelle, Quentin Gilliotte, Muriel Mille & Maylis Nouvellon

Mise en ligne de la première séance des Rencontres du RT14 – P. Coulangeon, Culture de masse et société de classes

Le RT14 (Sociologie de l’art et de la culture) de l’AFS est fier de vous présenter les Rencontres du RT14, un nouveau séminaire consacré à l’actualité de la recherche en sociologie des arts et de la culture. Le séminaire prend la forme d’un entretien avec le ou la chercheur-se invité-e (1h), suivie d’un moment d’échange avec le public (1h).

La première séance a eu lieu le 5 avril 2022, 16h-18h à l’auditorium de la MSH Paris Nord (20 Av. George Sand, 93210 Saint-Denis).

Invité : P. Coulangeon, autour de l’ouvrage “Culture de masse et société de classes. Le goût de l’altérité” (2021). La session est animée par Quentin Gilliotte

Appel à communication – Colloque “Contours du travail et frontières des groupes professionnels dans les arts et la culture” – RT14 et RT1

APPEL À COMMUNICATIONS

5e colloque du RT14 « Sociologie des arts et de la culture », en collaboration avec le RT1 « Savoirs, travail, professions »

20 et 21 octobre 2022, Paris (Site Pouchet du CNRS)

Le Réseau Thématique 14 (Sociologie des arts et de la culture) de l’Association Française de Sociologie s’associe au Réseau Thématique 1 (Savoirs, travail, professions) afin d’interroger les contours du travail et les frontières des groupes professionnels dans les mondes de l’art et de la culture.

Depuis le début des années 2000, les milieux culturels et artistiques connaissent des transformations professionnelles et économiques importantes. D’une part, le nombre d’emplois dans les métiers de la culture a connu une forte hausse (Gouyon et Patureau, 2014) liée notamment à l’essor de formations dédiées à ce secteur (Dubois, 2013), en parallèle d’un processus encore relatif de féminisation (Gouyon, Patureau et Volat, 2016). D’autre part, la numérisation des biens et des pratiques culturelles a conduit à des mutations importantes de ces secteurs économiques, comme l’ont montré des travaux sur le cinéma (Pinto, 2016), la vidéo (Levoin et Louessard, 2019), la musique ou le livre (Chabault, 2013 ; Holt, 2010 ; Legendre, 2019). Le développement des plateformes s’est accompagné de phénomènes de restructuration économique : apparition de nouveaux acteurs et effets de concentration économique par lesquels des multinationales, telles qu’Amazon, intègrent l’ensemble de la filière artistique (Négrier, 2020). Ces plateformes induisent de nouvelles manières de consommer la culture mais aussi de la produire, en proposant des sources de financement hors des circuits de diffusion habituels. Plus globalement, les formes de financement de la culture évoluent aujourd’hui en Europe : les financements par projet, les financements locaux voire transversaux (dans le cadre des politiques urbaines, notamment), le mécénat privé (entreprises et fondations, ou encore « crowdfunding ») se développent en parallèle de la réduction des subventions publiques nationales attribuées à la culture.

Plusieurs mobilisations politiques récentes ont mis en lumière ces bouleversements des secteurs professionnels des arts et de la culture. En France, elles ont d’abord porté sur les statuts d’emploi et régimes des artistes, notamment celui de l’intermittence, puis du régime des artistes-autrices et artistes-auteurs, pour lequel est désormais prise en compte une diversité de revenus accessoires.

Plus récemment, ces mobilisations ont visé les violences sexuelles et sexistes. Les champs artistiques, et notamment le cinéma, sont d’ailleurs à l’origine du mouvement dit « #MeToo ». Du cinéma au théâtre, en passant par l’art contemporain, la musique ou encore le cirque, ces mobilisations concernent l’ensemble des secteurs et s’étendent aux lieux de formation artistique. Elles s’inscrivent dans des mouvements de plus longue date dénonçant les inégalités sociales dans les champs culturels, notamment celles construites par les rapports sociaux de sexe et de race, tant dans l’accès au travail artistique que dans la perpétuation de stéréotypes sexistes et racistes, et qui ont donné lieu selon les mondes professionnels à certaines évolutions.

Enfin, la crise du Covid-19, au cours de laquelle les activités et biens culturels ont été caractérisés comme « non-essentiels », a jeté une lumière crue sur les inégalités qui structurent les champs culturels : entre bénéficiaires et laissé-es pour compte des dispositifs d’aide publique ; entre secteurs ; ou encore, dans le cadre d’un confinement différencié des populations, entre femmes et hommes dans la poursuite de leurs activités professionnelles, etc. La gestion de cette crise a de plus interrogé la viabilité du secteur culturel en dehors des politiques de soutien qui ont permis son maintien pendant la crise sanitaire (avec des différences entre cinéma, livre, spectacle vivant, etc.). Cette crise tend enfin à accélérer certaines évolutions, notamment la reconfiguration des modes de diffusion et de consommation des œuvres en faveur des réseaux numériques.

Nous souhaitons ainsi interroger, à l’occasion de ce colloque conjoint aux RT1 et RT14, les continuités et transformations du travail à l’œuvre dans les secteurs culturels et artistiques, et particulièrement les frontières et contours des groupes professionnels (Abbott, 2016 ; Demazière et Gadéa, 2009) qui y sont impliqués, en analysant comment ceux-ci se (re)dessinent en fonction de ces évolutions. Ce colloque s’appuie sur une proximité épistémologique de longue date entre la sociologie des groupes professionnels et la sociologie des arts et de la culture. Le cas du travail artistique a ainsi été au cœur des débats et des réflexions autour des notions de profession et de groupes professionnels (Becker, 1985, 1988 ; Cressey et Burgess, 1968 ; Freidson, 1994 ; Hughes, 1996 ; Strauss, 1992…).

Dans la lignée de ces interrogations et à la lumière des transformations récentes des mondes artistiques et culturels, les propositions de communications pourront s’inscrire dans les quatre axes prioritaires présentés ci-après. Elles pourront concerner l’ensemble des agents qui, depuis la production jusqu’à la médiation et la réception, contribuent aux mondes professionnels des arts et de la culture, et interroger les recompositions des frontières entre ces différentes étapes de la chaîne de coopération qui ne sont pas systématiquement différenciées, selon les contextes historiques, géographiques, les secteurs, etc. Les travaux examinant d’autres pistes s’inscrivant dans la thématique seront également examinés avec attention.

 

Axe 1. Segmentation, stratification et redéfinition des frontières professionnelles dans les mondes artistiques

Nous cherchons ici à mieux saisir les effets des transformations évoquées précédemment dans les différents secteurs artistiques et contextes nationaux ou locaux. Cet axe revient sur les effets des mutations en termes d’emploi mais aussi de frontières et d’autonomie du travail artistique.

Les propositions pourront donc revenir sur la division morale du travail dans ces mondes de l’art (Hughes, 1996) et sur les concurrences ou négociations autour des territoires professionnels et leurs frontières (Abbott, 1988, 2016), qui prennent place dans un champ de production culturelle caractérisé par la dimension collective du travail artistique (Becker, 1988 ; Cappelle, 2018 ; Marguin, 2019 ; Mille, 2016) et par une opposition entre pôles de l’art pour l’art et de grande diffusion (Bourdieu, 1992).

En effet, l’essor des financements par projets, la place des plateformes de diffusion de la culture ou encore les enjeux économiques accompagnant la crise sanitaire peuvent mettre en péril l’autonomie professionnelle et les juridictions des artistes et des métiers associés (Dubois, 2021). Ces transformations peuvent conduire à brouiller les contours des activités artistiques, en modifiant les contours du « sale boulot » ou par la remise en cause des frontières établies entre activités cardinales des mondes de l’art et personnel-les de renfort (Becker, 1988), entre artistes, publics et intermédiaires. Comment évoluent la place des organismes financeurs, et leur droit de regard sur les projets et la production, avec le développement du financement et des organisations par projet (Faulkner et Anderson, 1987 ; Peterson, 1982) ?

Les rétributions symboliques de l’activité artistique ne compensent pas toujours la précarité (Sinigaglia, 2013). Les artistes sont ainsi incité-es à la pluriactivité (Mayaud et Jeanpierre, 2020), à multiplier les engagements dans plusieurs projets artistiques, tout en y occupant différents métiers : être comédien-ne sur un projet tout en dispensant des cours d’arts dans des établissements scolaires (Bataille, Casse et Perrenoud, 2019 ; Menger, 1989, 2005) ou en travaillant dans d’autres secteurs extra-artistiques (Rannou et Roharik, 2006), ce qui concerne davantage les moins établi-es. Par ailleurs, si en France les artistes bénéficient du régime de l’intermittence, dans la plupart des autres pays, les artistes ne disposent pas de dispositifs d’assurance spécifiques, au risque de précariser les carrières et de favoriser l’engagement dans des domaines extra-artistiques (Rouault, 2002). Par exemple, les réformes du droit d’auteur-rice comme du statut de l’intermittence et de l’assurance chômage (Sigalo Santos, 2018) se sont traduites par le développement d’activités connexes (participation à des rencontres publiques, cours, etc.), conséquence de demandes politiques et sociales croissantes pour l’engagement des artistes dans l’espace public (Sapiro et Rabot, 2017).

Plusieurs travaux ont par ailleurs mis en évidence l’importance prise par l’intervention socio-éducative dans le travail artistique (Bureau, Perrenoud et Shapiro (dir.), 2009). Quelle que soit la discipline, les financeurs publics demandent désormais aux artistes et aux structures culturelles de proposer des projets auprès de publics dits « en difficulté » : jeunes « en difficulté scolaire » (Bonnery et Renard, 2013 ; Deslyper et Eloy, 2020 ; Henri-Panabière, Renard et Thin, 2013), « habitant-es des quartiers populaires » (Quercia, 2020), etc. Ces transformations engendrent un brouillage des frontières entre différents univers professionnels – mondes de l’art, travail social et éducation – avec des effets non seulement sur la définition même du travail artistique et de son « territoire » professionnel (Abbott, 1988), mais aussi sur les « faisceaux de tâches » (Hughes, 1996) qui constituent les métiers artistiques, ou d’intermédiation (Rabot, 2015). Comment réagissent les professionnel-les de la culture face à ces évolutions ? À quel moment s’engagent-elles/ils sur ces différents terrains et quels sont les effets de ces investissements sur leurs carrières ?

Ces transformations ont aussi des effets sur la manière dont les professionnel-les conçoivent et définissent le sens de leur travail et leurs activités. À quelles conceptions du rôle de la culture ces activités renvoient-elles ? Comment les différents agents impliqués dans ces secteurs conjuguent leurs différentes missions artistiques et/ou socio-éducatives ? Et comment les différentes tâches qui leur incombent participent-elles de leurs identités professionnelles ?

 

Axe 2. Formation et accès aux professions artistiques

Nous souhaitons ici interroger les effets du brouillage des frontières entre les différentes activités professionnelles des artistes et celles des intermédiaires. Souvent conçus comme des métiers à vocation (Sorignet, 2012), les groupes professionnels des mondes artistiques sont associés à des activités qui reposent sur l’expression d’un « don » qui supposerait un écart face à des instances de formation traditionnelles (Sapiro, 2007). Les frontières changeantes des milieux culturels rendent difficile leur encadrement par un apprentissage spécifique, qui doit inclure de plus en plus de savoirs transversaux. Cela a des conséquences sur les modalités et les formes de la socialisation professionnelle des artistes.

Si d’un côté, des activités de création semblent se développer en dehors de toute contrainte institutionnelle, on constate néanmoins la montée en puissance des formations institutionnelles formelles aux métiers artistiques et culturels, et ce, malgré les représentations qui continuent de les associer à la rhétorique du « don » et du « talent » individuel (par exemple : Deslyper, 2018 ; Dubois, 2013 ; Patureau et Sinigaglia, 2020). La professionnalisation dans des domaines comme la danse ou la musique a notamment comme passage obligé l’intégration de certaines institutions (opéra, conservatoires, etc.). Pour y avoir accès, les processus de sélection semblent confirmer un système de reconnaissance qui met en valeur le charisme et la transmission précoce des savoirs, contribuant à un taux élevé de reproduction sociale dans ces institutions (Lehmann, 2005).

De quelle manière et avec quels effets les formations en art tentent-elles de répondre aux exigences de ces nouvelles activités – socio-éducatives, voire pédagogiques – ainsi qu’à l’évolution de leurs modalités de financement – montage de projet (Langeard, 2015) ? Des travaux ont montré l’élargissement de l’éventail des objets à ces « compétences » connexes dont les formations ont fait l’objet (Hughes, 1996) ; les formations gestionnaires sont notamment présentes de façon croissante dans les trajectoires des intermédiaires des secteurs culturels, en particulier dans les plus jeunes générations (Picaud, 2021). Ces compétences restent-elles occultées dans l’accompagnement professionnel, ou bien sont-elles reconnues comme objets légitimes de formation ? Observe-t-on des différences selon les contextes nationaux et locaux ? Comment les formations gestionnaires influent-elles sur les trajectoires, représentations et pratiques des professionnel-les de la culture et des artistes ?

Ceci pose également la question des élèves et des intervenant-es concerné-es par ces mutations éventuelles dans les formations, des savoirs qui y sont mobilisés, mais également des représentations du métier qui s’y donnent à observer et que ces formations contribuent à façonner.

Nous proposons ainsi de questionner le rôle joué par les instances de formation dans l’encadrement des vocations artistiques, en nous demandant comment elles participent ou non à l’évolution des frontières et contours des activités et groupes professionnels. Il s’agit également, en retour, de comprendre ce que ces redéfinitions des limites des professions artistiques font aux instances de formation, en termes de savoirs, de pratiques, de morphologie du corps professoral, etc.

 

Axe 3. La numérisation des activités et du travail dans les secteurs culturels

Depuis une vingtaine d’années, les mondes culturels font l’objet de transformations importantes liées au développement du numérique, mutations qui touchent autant les processus de production – modalités de la création (Fine, 2018 ; Robert, 2020), format des œuvres (Rabot, 2020) -, le travail d’intermédiation – recommandation aux publics (Beuscart, Coavoux et Maillard, 2019), diffusion (Chabault, 2013) – et la consommation des œuvres par les publics (Combes, 2011 ; Gilliotte, 2019 ; Guittet, 2020).

L’émergence de nouvelles formes de participation et de travail des consommatrices et consommateurs culturel-les (Dujarier, 2008 ; Pasquier, Beaudouin et Legon, 2014) ou des artistes sur les réseaux et plateformes socionumériques (Chaves Ferreira, Naulin et Jourdain, 2018 ; Flichy, 2017) questionne également, au sein des mondes de l’art et de la culture, la frontière entre consommation et production, entre profanes et professionnel-les (Hughes, 1996), de même que le passage du statut d’amateur ou amatrice à celui de professionnel-le (Beuscart et Mellet, 2015).

On observe également une reconfiguration des rôles et des activités au sein des industries culturelles à travers le recours à des outils numériques dans le travail d’intermédiation (Bielby et Roussel, 2015). De nouvelles activités apparaissent ainsi en ligne, qui reconfigurent les hiérarchies entre les groupes professionnels existants. La recherche de financements, notamment participatifs (Creton et Kitsopanidou, 2016 ; Mairesse, 2016 ; Matthews, Rouzé et Vachet, 2014), le travail de diffusion et de promotion (Allamand, 2019 ; Delaporte, 2019) ou encore d’entretien d’une proximité avec les publics (Coavoux et Roques, 2020) sont des tâches qui, en plus de faire l’objet d’une redéfinition des rôles au sein des groupes professionnels des arts et de la culture, peuvent désormais incomber aux artistes ou aux publics. Comment ces transformations modifient-elles les frontières des groupes professionnels concernés, les formes de division du travail et les pratiques ?

La pandémie, en mettant à l’arrêt le monde de la culture, a récemment accéléré ce processus de numérisation, déjà plus ou moins développé selon les secteurs. Les transformations numériques n’ont ainsi pas seulement modifié les manières de diffuser les biens symboliques, mais aussi celles de les produire, pouvant favoriser le recours à « l’indépendance » et des formes de domestication de la production comme cela a été montré pour les créatrices et créateurs de jeux vidéo (Zabban et Ter Minassian, 2020). Les groupes professionnels artistiques sont déjà marqués par un brouillage des frontières entre vie privée et vie professionnelle, en raison de l’importance de la cooptation et du capital social dans les processus de recrutement (Buscatto, 2009 ; Sorignet, 2012). Quels sont alors les effets du numérique, et de la domestication du travail qu’il permet, sur le rapport au travail des artistes, sur l’aménagement de leur temps et de leurs contraintes domestiques ? En particulier pour les femmes ?

En favorisant l’apparition de nouvelles manières d’accéder aux consommatrices et consommateurs culturel-les – visites d’expositions en ligne, click & collect, renforcement des activités de prescription sur les plateformes, etc. –cette crise interroge encore davantage la transformation des frontières entre activités de commerce, de médiation et de prescription culturelle.

Mais ces processus traduisent-ils nécessairement une révolution radicale, ou plutôt une accentuation de phénomènes antérieurs ? Comment reconfigurent-ils les frontières entre travail bénévole et rémunéré, entre art et argent, entre artistes, intermédiaires et publics, entre professionnel-les et profanes ? Comment influent-ils sur les inégalités qui caractérisent ces groupes professionnels et sur le maintien de formes d’autonomie professionnelle ? Quel rôle joue l’action publique dans ce domaine, par exemple en régulant les plateformes numériques et la circulation des contenus, ou en soutenant différents secteurs culturels ?

Axe 4. Inégalités dans les carrières artistiques et culturelles

Les milieux artistiques sont généralement considérés comme ouverts, tolérants et avant-gardistes. Ils sont pourtant, comme d’autres milieux professionnels, traversés par des inégalités de carrière et des processus de segmentation liés à divers rapports de domination (genre, classe, racisation, âgisme, sexualité, validisme, nationalité, etc.). Les champs artistiques restent des univers difficiles d’accès selon les ressources dont on dispose (Katz, 2017 ; Sinigaglia, 2017) et la position dans des systèmes d’inégalités (Buscatto, Cordier et Laillier (dir.), 2020). Si les hiérarchies et les stratifications dues à la classe sociale et au genre dans la production (Bourdieu, 1992 ; Buscatto, 2008 ; Buscatto et Marry, 2009 ; Cacouault-Bitaud et Ravet, 2008 ; Lehmann, 2005 ; Naudier et Rollet, 2007 ; Naudier, 2010), et l’intermédiation (Jeanpierre et Roueff, 2014 ; Lizé, Naudier et Roueff, 2011 ; Naudier, 2019) des biens symboliques ont fait l’objet de nombreuses recherches, celles liées aux rapports de domination fondés sur la race, l’âge, ou encore à l’orientation sexuelle n’ont été travaillées que plus récemment (Buscatto, Cordier et Laillier (dir.), 2020 ; Harchi, 2020 ; Levy et Quemin, 2019).

Depuis une vingtaine d’années, de nombreux travaux issus de la recherche féministe ont analysé les intersections entre les systèmes de domination (principalement la classe sociale, le genre et la race) et ont montré que ceux-ci ne sont ni isolés, ni mécaniquement cumulatifs, mais bien interdépendants et co-construits (Bereni et al., 2012 ; Chauvin et Jaunait, 2015 ; Crenshaw, 2005 [1991]). Nous invitons donc les personnes souhaitant proposer une contribution à analyser la manière dont se construisent, se reproduisent ou se transforment ces inégalités dans les milieux artistiques et culturels, en choisissant de privilégier l’un de ces rapports de domination ou en mobilisant une approche intersectionnelle sensible à l’imbrication des rapports sociaux.

Il s’agira de tenir compte des crises et des transformations économiques, politiques et sociales ayant affecté les milieux artistiques ces dernières années (crise liée à l’épidémie de Covid-19, mouvement #Metoo, numérisation, évolutions des formes de financement de l’activité artistique, réforme du statut des artistes-auteur·rices, etc.) pour réfléchir aux dynamiques professionnelles qui les caractérisent. Dans quelle mesure ces dernières sont-elles affectées par les inégalités de genre, de classe, de race, etc. d’accès aux formations et aux professions artistiques, et de progression dans ces carrières ? Quels régimes d’inégalités (Acker, 2009) se dessinent dans les mondes de l’art suite à ces transformations ? Par exemple, les inégalités sur les marchés du travail artistique ne sont pas apparues avec la crise sanitaire, économique et sociale liée à l’épidémie de Covid-19. Mais cette crise, en affectant fortement les opportunités de production et de diffusion du travail artistique, et en augmentant la concurrence déjà intense entre artistes, peut jouer comme révélateur des processus sociaux de construction et de transgression des inégalités liées à divers rapports de domination dans les milieux artistiques. On pourra également interroger le rôle des politiques publiques, et en particulier les dispositifs de soutien mis en place depuis mars 2020, dans l’évolution des inégalités liées au genre, à la race, à l’âge, etc. dans les groupes professionnels artistiques et culturels. Enfin, on pourra se demander dans quelle mesure les mobilisations contre les violences sexistes et sexuelles dans les milieux artistiques renouvellent, ou non, les interactions au travail, les pratiques professionnelles et les processus de segmentation à l’œuvre dans ces mondes professionnels.

Modalités de soumission des propositions

Les réponses à l’appel à communications seront à envoyer pour le 15 avril 2022 à l’adresse rt14.afs@gmail.com .

Informations attendues : Noms de(s) autrice(s) et auteur(s), statut, rattachement, adresse électronique, axe(s) envisagé(s), titre de la communication, résumé, mots-clés.

Le résumé comportera entre 3000 et 5000 signes (espaces compris), contenant la présentation claire de la question de recherche, de la méthodologie et des données employées, les principaux résultats ainsi que les principales références bibliographiques mobilisées.

Les propositions de doctorant-es et de jeunes chercheur-es sont encouragées et feront l’objet d’une attention particulière. Le comité d’organisation rappelle que tous les moyens de recherches budgétaires sont mis en œuvre pour permettre aux collègues ne bénéficiant pas de soutien financier de se déplacer sans frais (prise en charge par l’organisation des transports, des hôtels et des repas pour les collègues les plus précaires ou les moins bien doté-es).

Calendrier

15 avril 2022                            Date limite pour l’envoi des propositions de communication

Début juin 2022                        Communication du résultat de la sélection après évaluation

10 octobre 2022                       Envoi des supports de communications au comité d’organisation

20 et 21 octobre 2022              Tenue du colloque à Paris (Site Pouchet du CNRS).

Comité d’organisation

Anne Bessette, ATER (Université Paris Nanterre, associée au Cerlis)

Emmanuelle Guittet, chercheuse postdoctorale (LabEx ICCA, Cerlis)

Elodie Hommel, PRCE (Université Paul Valéry Montpellier 3, CMW)

Florence Legendre, MCF (CEREP, URCA)

Bianca Maretti, doctorante (IReMus)

Muriel Mille, MCF (UVSQ, Printemps)

Maylis Nouvellon, docteure (indépendante)

Myrtille Picaud, chercheuse postdoctorale (Université Grenoble Alpes, Pacte, CEE)

Mathilde Provansal, chercheuse postdoctorale (LMU Munich, associée à l’IDHE.S et au CEET)

Francesca Quercia, chercheuse postdoctorale (HETSL HES-SO, associée au CMW)

Comité scientifique

Le comité scientifique est composé des membres du comité d’organisation, et de :

Marlène Bouvet, doctorante (ENS Lyon, CMW) et ATER (Université Clermont-Auvergne)

Laura Cappelle, chercheuse associée (Cerlis)

Frédéric Charles, Professeur des universités (Université de Picardie Jules Verne, Curapp)

Clément Combes, chercheur contractuel (CNRS, Cerlis)

Quentin Gilliotte, enseignant-chercheur contractuel (Université de Paris, Cerlis)

Serge Katz, MCF (Université de Picardie Jules Verne, Curapp)

Anna Mesclon, doctorante (Université de Nantes, CENS)

Clémence Perronnet, MCF (UCO, LIFRE)

Florent Schepens, professeur des Universités (Université de Franche Comté, LASA)

Laure de Verdalle, directrice de recherche (CNRS, Printemps)

Bibliographie :

Abbott Andrew Delano, 1988, The system of professions: an essay on the division of expert labor, University of Chicago Press, Chicago, Etats-Unis.

Abbott Andrew Delano, 2016, « Les choses des frontières », in Demazière Didier et M Jouvenet Morgan (dir). Andrew Abbott et l’héritage de l’école de Chicago, Paris, France. Editions de l’EHESS.

Acker Joan, 2009, « From glass ceiling to inequality regimes », Sociologie du travail, Vol. 51 – n° 2 | 2009, 199-217.

Allamand Clémence, 2019, « La face cachée du passage à la projection numérique : enjeux structurels et organisationnels du secteur de la diffusion cinématographique en France », Réseaux, n° 217, p. 79-112.

Bataille Pierre, Casse Robin et Perrenoud Marc, 2019, « Rythmes et ancrages sociaux des carrières musicales “ordinaires” », Recherches sociologiques et anthropologiques, 50-2 | 2019, 75-99.

Becker Howard Saul, 1985, Outsiders : études de sociologie de la déviance, Paris, France, Éditions Métailié.

Becker Howard Saul, 1988, Les mondes de l’art, Paris, France, Flammarion.

Becker, H. (2015). La formation en art. Sociologie de l’Art, 33-51.

Bereni Laure, Chauvin Sébastien, Jaunait Alexandre et Revillard Anne, 2020. Introduction aux études sur le genre. Louvain-la-Neuve, Belgique : De Boeck

Beuscart Jean-Samuel et Mellet Kevin, 2015, « La conversion de la notoriété en ligne : Une étude des trajectoires de vidéastes pro-am », Terrains & travaux, n° 26, p. 83-104.

Beuscart Jean-Samuel, Coavoux Samuel et Maillard Sisley, 2019, « Les algorithmes de recommandation musicale et l’autonomie de l’auditeur: Analyse des écoutes d’un panel d’utilisateurs de streaming », Réseaux, n° 213, 1, p. 17.

Bielby Denise et Roussel Violaine (dirs.), 2015, Brokerage and Production in the American and French Entertainment Industries : Invisible Hands in Cultural Markets, New York : Lexington Books.

Bonnéry Stéphane et Renard Fanny, 2013, « Des pratiques culturelles contre l’échec et le décrochage scolaire. Sociologie d’un détour », Lien social et politique, n° 70, p. 135-150.

Bourdieu Pierre, 1992, Les règles de l’art : genèse et structure du champ littéraire, Paris, Le Seuil

Bureau Marie-Christine, Perrenoud Marc et Shapiro, Roberta (dir.), 2009, L’artiste pluriel. Démultiplier l’activité pour vivre de son art, Villeneuve d’Ascq, Presses universitaires du Septentrion.

Buscatto Marie, 2015, « La féminisation du travail artistique à l’aune des réseaux sociaux »,. Sociologie de l’Art, vol. OPuS 23 & 24, n° 1, p. 129‑152.

Buscatto Marie, 2008, « Tenter, rentrer, rester : les trois défis des femmes instrumentistes de jazz », Travail, genre et sociétés, vol. No 19, n° 1, p. 87‑108.

Buscatto Marie, Cordier Marine et Laillier Joël (dir.), 2020, Sous le talent: la classe, le genre, la race, Marseille, France, Éditions Agone.

Buscatto Marie et Marry Catherine, 2009, « “Le plafond de verre dans tous ses éclats”. La féminisation des professions supérieures au xxe siècle », Sociologie du Travail, vol. 51, n° 2, p. 170‑182.

Cacouault-Bitaud Marlaine et Ravet Hyacinthe, 2008, « Les femmes, les arts et la culture », Travail, genre et sociétés, vol. No 19, n° 1, p. 19‑22.

Cappelle Laura, 2018, Nouveaux classiques. La création de ballets dans les compagnies de répertoire, thèse de sociologie soutenue à l’Université Sorbonne Nouvelle.

Chabault Vincent, 2013, Librairies en ligne. Sociologie d’une consommation culturelle. Paris, Presses de Sciences Po.

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